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CFP: “Science Friction” – Dijon, 23-24 Octobre 2025, Université Bourgogne Europe

Centre Interlangues TIL UR 4182 – Equipe Individu et Nation

En collaboration avec LISAA CCAMAN, Université Gustave Eiffel

A colony’s windows, Rick Guidice, 1970s (NASA)

(scroll down for English version)

Conférences plénières confirmées: Irène Langlet (Université Gustave Eiffel) et Florent Favard (Université de Lorraine)

Comité scientifique: Mélanie Joseph-Vilain (organisation, UBE/TIL), Indiana Lods (organisation, UBE/TIL), Shannon Wells-Lassagne (organisation, UBE/TIL), Guillaume Dupetit (organisation, Université Gustave Eiffel/LISA CCAMAN), Florent Favard (Université de Lorraine), Hélène Machinal (Université Rennes 2/ACE), Anthony Mangeon (Université de Strasbourg/CERIEL), Alexandre Pierrepont (Université Paris 8/MUSIDANCE), Fanny Robles (Aix-Marseille Université/LERMA)

Appel à communications: Le but de ce colloque, qui se tiendra à Dijon les 23 et 24 octobre 2025, sera d’aborder la science-fiction (SF) à travers le prisme de ses mutations (sous-genres, mouvements et traditions) afin de passer au crible le foisonnement des productions artistiques et des discussions qui s’y rattachent, ainsi que leur exploitation en dehors de la sphère proprement artistique. Comme son titre l’indique, il s’agira d’explorer et de comprendre divers phénomènes de « friction » entre formes littéraires et artistiques, entre imaginaires, entre cultures, entre arts et sociétés.

La question des filiations littéraire et artistiques des origines des genres, sous-genres et mouvements peut ainsi être mobilisée pour réaffirmer une hiérarchie entre les formes ou œuvres d’art reconnues comme légitimes et d’autres considérées plus populaires, comme la tradition des « pulp » ou encore les œuvres crées en ligne au sein de « fandoms », (Bould 2007) voire faire l’objet d’un rejet de la notion même de genre dans un esprit postmoderne, à l’image du slipstream (Kelly and Kessel 2006).Le caractère polymorphe de la science-fiction (à la fois genre, mouvement et mode) ainsi que sa longévité et son succès la rend propice à une multitude d’adaptations et de réappropriations qui s’emparent des codes, topoi et tropes de la science-fiction comme d’un langage pour penser le monde dans toute sa complexité (Hollinger 2014 ; Kilgore 2003). Les débats portant sur la science-fiction elle-même (ses contours, ses conventions génériques et son canon) sont également le fruit de contextes sociohistoriques spécifiques et de stratégies de légitimation ayant pour but de se faire une place au sein du monde littéraire et artistique en général (Rieder 2010; Wolfe 2014).

Les mouvements tels que l’afrofuturisme né aux Etats-Unis (Dery 1993; Eshun 1998; Nelson 2002; Womack 2013), l’essor de la science-fiction africaine et des travaux en lien avec celle-ci (Adejunmobi and Coetzee 2019; Hamza 2022; Mangeon 2022), ainsi que les réappropriations et relectures de la SF par divers mouvements et écoles (notamment le féminisme ou l’écocritique) en font un terreau fertile pour représenter, penser et articuler les sentiments d’appartenance, ainsi que le croisement des identités individuelles et collectives, nationales et transnationales, locales et globales.

A titre d’exemple, les conversations intellectuelles, académiques et artistiques autour de l’afrofuturisme ont mené à une requalification (Mashigo 2018), parfois même un rejet de l’afrofuturisme (Nnedi Okorafor 2019). Sous l’égide de termes comme « African futurism » (Phatsimo Sunstrum 2013) et « Africanfuturism » (Okorafor 2019; Talabi 2020; Wabuke 2020), une création proprement africaine de la SF produite en Afrique, riche et diversifiée, renforce l’affirmation de la spécificité de traditions science-fictionnelles proprement africaine (Hamza 2022) ou sud-africaine (Muller 2022) bien souvent préexistantes à l’afrofuturisme. De même, on peut s’interroger sur d’autres formes « récupératrices » qui impliquent et mettent en scène des zones géographiques et culturelles étendues, laissant émerger tant une circulation qu’une réappropriation.

Un autre type de friction qui pourrait être exploré de façon fructueuse est celle entre cultures et entre imaginaires dans la lignée de ce que l’écrivain Michael Roch, s’inspirant de la poétique de la relation d’Edouard Glissant, désigne comme une « science-fiction de la relation[1] », qui renouvellerait une SF encore majoritairement occidentale en allant « chercher dans la marge de l’Occident, là où justement de nouvelles voix émergent (…) : vers la science-fiction asiatique, portée par Liu Cixin par exemple (Le Problème à trois corps ou Terre errante, Actes Sud « Exofictions »), vers la science-fiction noire américaine, africaine et bientôt caribéenne[2] ». On pourrait aussi évoquer l’émergence de « poétiques afropolitaines et afrotopiques » (Arnold et Bertho 2023) sur le continent africain et la façon dont ces imaginaires font jouer, dans tous les sens du terme, des formes, cultures et codes variés pour évoquer une « Afrique au futur » (Mangeon 2022).

Ce colloque est ainsi articulé autour de l’expression « science-friction » empruntée à Kim Hendrickx (Hendrickx 2019) car ces « zones grises » entre les différents genres, sous-genres, traditions et mouvements permettent de mettre en lumière la dimension politique de la science-fiction au travers des négociations identitaires qui s’opèrent dans ces zones de contact ainsi que les enjeux esthétiques qui sous-tendent, permettent et découlent de ces négociations. Il est ainsi ouvert à toutes les langues, cultures et aires géographiques et à tous les médias et formes artistiques afin mettre en lumière la complexité et la richesse de ces « frictions ». A ce titre, le colloque pourrait utilement alimenter les réflexions en cours dans l’équipe Individu et Nation sur la question de l’appartenance et le rôle des formes artistiques dans son exploration : étudier les « usages politiques » (Besson 2021) de la SF, et les contours qu’elle se donne, dans des aires culturelles et géographiques diverses permettrait de contraster et de comparer les définitions qui y émergent et par là même, de proposer une réflexion sur les liens entre SF et identités.

Parmi les nombreuses pistes que la notion de « science-friction » permettrait d’aborder, on peut évoquer, sans que ces suggestions soient exhaustives, la question des labels et réappropriations ; l’historiographie et les frictions entre passé, présent et futur ; la mobilisation des imaginaires et leurs représentations ; les phénomènes de réécritures et les frictions intertextuelles et transtextuelles ; les pratiques artistiques qui découlent de ces stratégies de réemploi, de bricolage ou de hacking ; les mouvements, les genres et sous-genres et les divers contacts et frictions qu’ils mettent en jeu ; le passage d’un médium à un autre et les frictions transmédiales ; l’intégration de codes de la SF dans des œuvres de littérature dite « blanche » ; les écritures collaboratives ; le passage de la recherche académique à l’écriture de SF (on pense aux cas de Namwali Serpell, Sofia Samatar, ou encore Nnedi Okorafor) ; les formats et leurs usages, fandoms et fanfictions et, plus largement, la question des frictions et contacts entre réception et création ; l’utilisation de la SF dans des contextes non littéraires (voir par exemple la « Red Team » mise en place par l’armée française pour envisager les menaces futures et imaginer les mesures à prendre pour les prévenir ou les traiter) ; les contextes de production et de diffusion. Tous les types de corpus sont possibles à partir du moment où ils mettent en jeu la question de la science-fiction et de ses frontières.

Les propositions de communication, d’environ 250-300 mots, en français ou en anglais, accompagnées d’une courte bio-bibliographie, devront être envoyées au plus tard le 15 avril 2025 à Mélanie Joseph-Vilain (Melanie.Joseph-Vilain@ube.fr), Indiana Lods (Indiana. Lods@ube.fr), Shannon Wells-Lassagne (Shannon.Wells-Lassagne@ube.fr), Guillaume Dupetit (guillaume.dupetit@univ-eiffel.fr).

ENGLISH VERSION

Confirmed Keynote Speakers: Irène Langlet (Université Gustave Eiffel) and Florent Favard (Université de Lorraine)

Scientific Committee: Mélanie Joseph-Vilain (organisation, UBE/TIL), Indiana Lods (organisation, UBE/TIL), Shannon Wells-Lassagne (organisation, UBE/TIL), Guillaume Dupetit (organisation, Université Gustave Eiffel/LISA CCAMAN), Florent Favard (Université de Lorraine), Hélène Machinal (Université Rennes 2/ACE), Anthony Mangeon (Université de Strasbourg/CERIEL), Alexandre Pierrepont (Université Paris 8/MUSIDANCE), Fanny Robles (Aix-Marseille Université/LERMA)

Call for papers: This conference, to be held in Dijon on October 23 and 24, 2025, will seek to approach science fiction (SF) through the prism of its mutations (sub-genres, movements and traditions) in order both to sift through the abundance of artistic productions and related discussions, and to examine their exploitation outside the strictly artistic sphere. As the title suggests, the aim is to explore and understand various phenomena of “friction” between these literary and artistic forms, between imaginary worlds, between cultures, between the arts and society.

The question of literary and artistic filiations and the origins of genres, sub-genres and movements can thus be mobilized to either reaffirm a hierarchy between “legitimate” and more popular art forms (in the “pulp” tradition, or in works created online within “fandoms”,  Bould 2007), or on the contrary be the object of a rejection of the very notion of genre in keeping with postmodern theories, as in slipstream fiction (Kelly and Kessel 2006). Both the polymorphous nature of science fiction (at once genre, movement and mode) and its longevity and success make it conducive to a multitude of adaptations and re-appropriations that appropriate the codes, topoi and tropes of science fiction as a language for thinking about the world in all its complexity (Hollinger 2014; Kilgore 2003). Debates about science fiction itself (its contours, generic conventions and canon) are also the result of specific socio-historical contexts and legitimation strategies aimed at finding a space for SF within the literary and artistic world at large (Rieder 2010; Wolfe 2014).

Movements such as the American-born Afrofuturism movement (Dery 1993; Eshun 1998; Nelson 2002; Womack 2013), the rise of African science fiction and works related to it (Adejunmobi and Coetzee 2019; Hamza 2022; Mangeon 2022), as well as the reappropriation and rereading of SF by various movements and schools (notably feminism or ecocriticism) make it fertile ground for representing, thinking about and articulating feelings of belonging, as well as the intersection of individual and collective, national and transnational, local and global identities.

Thus for example the intellectual discourse surrounding Afrofuturism has led to a reappraisal (Mashigo 2018) or even a rejection of that terminology (Nnedi Okorafo 2019). The birth of a rich, diversified and distinctively African creation of SF produced in Africa under the aegis of terms such as “African futurism” (Phatsimo Sunstrum 2013) and “Africanfuturism” (Okorafor 2019; Talabi 2020; Wabuke 2020), has reinforced the affirmation of SF traditions that are specifically African (Hamza 2022) or South African (Muller 2022) and which often preexisted Afrofuturism. Similarly, other “recuperating” forms involving or exploring extended geographical and cultural areas, and testifying to both circulations and reappropriations, could be examined.

Another type of friction that could be fruitfully explored is that between cultures and between imaginaries, along the lines of what writer Michael Roch, drawing inspiration from Edouard Glissant’s poetics of “relation” (Glissant 1990; 1993), calls a “science fiction of relation”, which would renew a still predominantly Western SF by “looking to the margins of the West, precisely where new voices are emerging (…): towards Asian science fiction, led by Liu Cixin for example (The Three-Body Problem or The Wandering Earth), towards African American, African, and soon Caribbean, science fiction”. Another possible topic would be the emergence of “Afropolitan” and “Afrotopian” poetics (Arnold and Bertho 2023) on the African continent, and the way in which these imaginaries bring into play, in every sense of the word, a variety of forms, cultures and codes to evoke an “Africa of the future” (Mangeon 2022).

This conference is thus articulated around the expression “science friction” coined by Kim Hendrickx (Hendrickx 2019), because these “grey zones” between different genres, sub-genres, traditions and movements offer the ability to highlight the political dimension of science fiction through the identity negotiations that take place in these contact zones, as well as the aesthetic issues that underlie, enable and result from these negotiations. The conference is thus open to all languages, cultures and geographical areas, and to all media and artistic forms, in order to highlight the complexity and richness of these “frictions”. In this respect, the conference aims to study the “political uses” (Besson 2021) of SF, and the contours it gives itself, in diverse cultural and geographical areas, which would make it possible to contrast and compare the definitions that emerge, and thereby propose a reflection on the links between SF and identities.

Among the many avenues that the notion of “science fiction” could explore, we might mention the question of labels and reappropriations; historiography and the frictions between past, present and future; phenomena of rewriting and intertextual and transtextual frictions; the artistic practices resulting from these strategies of recycling, bricolage or hacking; movements, genres and subgenres and the various contacts and frictions they bring into play; the passage from one medium to another and transmedia frictions; the integration of SF codes into works of so-called “general” literature; collaborative writing; the transition from academic research to SF writing (e.g. Namwali Serpell, Sofia Samatar, Nnedi Okorafor); formats and their use, fandoms and fan fiction and, more broadly, the question of frictions and contacts between reception and creation; the use of SF in non-literary contexts (e.g. the “Red Team” set up by the French army to envisage future threats and devise measures to prevent or deal with them); production and distribution contexts. These suggestions are, of course, not exhaustive. All types of corpus are possible, as long as they raise the question of science fiction and its boundaries.

Proposals for papers, approximately 250-300 words long, in French or English, accompanied by a short bio-bibliography, should be sent by 15 April, 2025 to Mélanie Joseph-Vilain (Melanie.Joseph-Vilain@ube.fr), Indiana Lods (Indiana. Lods@ube.fr), Shannon Wells-Lassagne (Shannon.Wells-Lassagne@ube.fr), Guillaume Dupetit (guillaume.dupetit@univ-eiffel.fr).

Bibliography

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“Africanfuturism Defined.” n.d. Accessed June 14, 2024. http://nnedi.blogspot.com/2019/10/africanfuturism-defined.html.

Arnold, Markus, & Elara Bertho. 2023. “Poétiques afropolitaines et afrotopiques : imaginer les possibles, recréer le monde”. French Studies in Southern Africa 53 : 1-22.

Atwood, Margaret. 2011. In Other Worlds: SF and the Human Imagination. London: Virago.

Besson, Anne. 2021. Les pouvoirs de l’enchantement. Usages politiques de la fantasy et de la science-fiction. Paris: Vendémiaire.

Bould, Mark. ‘Come Alive by Saying No: An Introduction to Black Power SF’. Science Fiction Studies 34, no. 2 (2007): 220–40.

Bould, Mark. ‘The Ships Landed Long Ago: Afrofuturism and Black SF’. Science Fiction Studies 34, no. 2 (2007): 177–86.

Dery, Mark. 1993. “Black to the Future: Interviews with Samuel R. Delany, Greg Tate, and Tricia Rose.” South Atlantic Quarterly 92 (4): 735–78. https://doi.org/10.1215/00382876-92-4-735.

Eshun, Kodwo. 1998. More Brilliant Than the Sun: Adventures in Sonic Fiction. Anniversary edition. London: Quartet Books.

Glissant, Edouard. Poétique de la relation. Poétique III. Paris : Gallimard, 1990.

–. Poetics of Relation. Ann Arbor: University of Michigan Press, 1993. Trans. Betsy Wing.

Hamza, Abd El Khadr. 2022. “Afrique(s) et Science-fiction. Histoire(s) et représentations.” Thèse de doctorat, Université de la Sorbonne nouvelle – Paris III. https://theses.hal.science/tel-04237898.

Hendrickx, Kim. 2019. “Science Friction [Sic]: Le Présent Est-Il Transportable?” https://scholar.google.com/scholar?cluster=724281162032728838&hl=en&oi=scholarr.

Hollinger, Veronica. 2014. “Genre vs Mode.” In The Oxford Handbook of Science Fiction, edited by Rob Latham, 139–51. Oxford ; New York: Oxford University Press.

Wabuke, Hope, 2020. “Afrofuturism, Africanfuturism, and the Language of Black Speculative Literature”, L.A. Review of Books

Kelly, James P., and John Kessel, eds. 2006. Feeling Very Strange: The Slipstream Anthology. 1st ed. San Francisco: Tachyon Publications.

Kilgore, DeWitt Douglas, 2003. Astrofuturism: Science, race, and visions of utopia in space. University of Pennsylvania Press.

Langlet, Irène. 2006. La science-fiction : Lecture et poétique d’un genre littéraire. Paris : Armand Colin.

Langlet, Irène. 2020. Le temps rapaillé : Science-fiction et présentisme. Limoges : Presses universitaires de Limoges.

Mangeon, Anthony. 2022. L’Afrique Au Futur: Le Renversement Des Mondes. Collection “Fictions Pensantes.” Paris: Hermann.

Mashigo, Mohale. 2018. “Afrofuturism: Ayashis’ Amateki.” In Intruders: Short Stories, vii–xv. Johannesburg: Picador Africa.

Muller, Alan. 2022. “Futures Forestalled … for Now: South African Science Fiction and Futurism.” Current Writing: Text and Reception in Southern Africa 34 (1): 75–87. https://doi.org/10.1080/1013929X.2022.2035076.

Nelson, Alondra. 2002. “Introduction: FUTURE TEXTS.” Social Text 20 (2 (71)): 1–15. https://doi.org/10.1215/01642472-20-2_71-1.

Okorafor, Nnedi. ‘Africanfuturism Defined’, 2019. http://nnedi.blogspot.com/2019/10/africanfuturism-defined.html.

Phatsimo Sunstrum, Pamela. 2013. “Afro-Mythology and African Futurism: The Politics of Imagining and Methodologies for Contemporary Creative Research Practices.” Edited by Mark Bould. Africa SF, Paradoxa, 25:113–30.

Rieder, John. 2010. “On Defining SF, or Not: Genre Theory, SF, and History.” Science Fiction Studies 37 (2): 191–209.

Wolfe, Gary K. 2014. “Literary Movements.” In The Oxford Handbook of Science Fiction, edited by Rob Latham, 59–70. Oxford ; New York: Oxford University Press.

Talabi, Wole, 2021. “Africanfuturism: An Anthology”. Vector-BSFA, https://vector-bsfa.com/2021/08/24/africanfuturism-an-anthology

Womack, Ytasha L., 2013. Afrofuturism: The world of black sci-fi and fantasy culture. Chicago Review Press.


[1] « Le book club », France Culture, 31/10/2024, https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/le-book-club/michael-roch-auteur-sf-et-nouvelle-voix-de-l-afro-futurisme-caribeen-4185832

[2] « Mardi SF: pour Michael Roch, il faut “une science-fiction de relation”», Libération, 31/05/2022.

Espace-temps de la fiction

Compte-rendu du colloque des 21 et 22 novembre organisé en collaboration avec l’équipe Image et Critique

Rédigé par des étudiants de la Junior Agence du Master REVI: Emma Bert (M2), Clémence Bouchard (M2), Clément Roman (M1), Anthony Louro (M1) et Anaïs Larue (M1)

Le 21 novembre dernier s’ouvrait le colloque « Espace-temps de la fiction », organisé par Mélanie Joseph-Vilain et Shannon Wells-Lassagne, responsables respectives des équipes Individu et Nation et Image et Critique. Ce colloque s’est tenu sur deux journées, le jeudi 21 et le vendredi 22 novembre, et a accueilli des intervenants de la France métropolitaine jusqu’au Canada. Ce colloque consacré à l’espace-temps de la fiction aborde un sujet qui ne cesse de fasciner et d’interroger. Si le temps semble souvent nous échapper et l’espace nous encadrer, la fiction a cette capacité unique de les remodeler, de les étirer, de les briser, ou même de les abolir. Elle ouvre des portes vers des mondes où un instant peut contenir une éternité, et où les frontières de l’espace deviennent poreuses, propices à l’imaginaire.

Atelier 1 : La série et l’espace-temps

Le premier atelier de cette manifestation présidé par Audrey Haensler et intitulé « La série et l’espace-temps » s’est concentré sur l’exploration des notions de temps et d’espace dans des récits fictionnels et télévisuels. Les interventions s’inscrivant dans cet atelier ont toutes contribué à apporter un éclairage unique sur la série télévisée comme médium pour explorer les dimensions de l’espace et du temps, conjuguant narration sérielle et temporalité éclatée. Par sa structure en épisodes et en saisons, elle impose un rythme singulier à l’histoire, où le temps peut s’étirer sur plusieurs années ou se condenser en quelques secondes.

Elaine Després (Université du Québec à Montréal) a ouvert cet atelier avec sa présentation « Tulsa, 1921 et autres destinations voyages : S’orienter vers l’histoire du racisme américain ». À travers l’étude des séries Watchmen, Lovecraft Country et Kindred, la chercheuse a proposé d’illustrer la façon dont le racisme aux États-Unis, loin d’être un phénomène du passé, se déploie à travers les âges et les espaces. Ces récits montrent notamment que l’histoire du racisme est un héritage se transmettant à la fois dans le corps, la mémoire collective et dans l’infrastructure même de la société. À travers le voyage dans le temps et l’exploration de l’espace, ces séries offrent une vision d’un racisme systémique où le corps racisé est à la fois victime et témoin de cette violence qui se perpétue.

Florent Favard (Université de Nancy) s’est ensuite proposé de traiter l’espace-temps narratif de la franchise Star-Trek. Celle-ci, se caractérisant par une approche complexe et multiple, combine les principes du pointillisme, des volumes multi-connexes et de la poétique de l’impasse afin de créer un univers dynamique et en constante évolution. En traitant des relations entre les différents espaces et temporalités, et en confrontant les personnages à des paradoxes, la franchise parvient à offrir une réflexion sur les limites de la connaissance humaine et sur les possibilités infinies du cosmos. Florent Favard a insisté sur la notion de multiconnectivité des espaces avec, par exemple, la récurrence de certains décors qui se réinventent à chaque apparition avec de nouvelles significations pour devenir un outil narratif symbolique et familier. La durée de la franchise Star Trek sert comme moyen d’éviter la fin de celle-ci pour appuyer sur son imminence et ainsi expliquer que les soucis actuels du monde sont une “impasse qu’il faut passer”. La franchise s’étale sur plusieurs décennies et alimente donc les questions sociétales qui correspondent à la période de diffusion des différentes séries. Ainsi, Star-Trek apparaît non pas seulement comme un voyage à travers l’espace, mais comme une exploration narrative de l’inconnu, de l’impossible et de l’interconnexion des mondes.

Par la suite, Louis-Paul Willis (UQAT) a ouvert une discussion sur « Le lieu du “nostos” : réflexions sur la nostalgie et l’espace ». Cette notion, évoquant le désir de retour chez soi (souvent lié à un passé idéalisé) est au cœur de nombreuses réflexions culturelles contemporaines. Dans la culture de l’écran, le lieu du « nostos » devient donc un lieu de projection émotionnelle et idéologique, où les objets et les espaces passés sont réinvestis d’une nouvelle signification. La rétromanie et la projection nostalgique jouent un rôle crucial dans cette dynamique, en transformant les lieux du passé en refuges symboliques. Dans des films comme Back to the Future ou Interstellar, le passé devient par exemple un espace à la fois réel et idéalisé, une passerelle entre l’humain et l’universel, où le temps et l’espace se mêlent pour offrir à la fois un retour vers ce qui a été perdu et une exploration de ce qui pourrait être reconquis.

Marine Galiné (Université de Reims Champagne-Ardenne) poursuit cette réflexion sur le temps et l’espace à travers le cas particulier de la série de Mike Flanagan, The Haunting of Hill House. Dans cette série, d’abord profondément gothique par son réinvestissement des leitmotivs classiques gothiques (la demeure anthropomorphique, la toxicité de la moisissure et son caractère préternaturel, l’origine des puissances naturelles), la temporalité et l’espace s’entrelacent pour créer une expérience narrative profondément immersive et perturbante. Inspirée du roman de Shirley Jackson, la série joue avec une dislocation temporelle marquée par des allers-retours constants entre le passé et le présent, révélant progressivement les traumatismes des personnages et les secrets de la maison hantée : la maison devient alors un lieu palimpseste, superposant des strates de souvenirs. Ce découpage non-linéaire fracture la perception du temps, reflétant l’impact psychologique des événements sur les protagonistes. Les anachronismes servent à la fois de principe narratif saillant et de principe esthétique majeur dans la série. Le temps n’est plus une ligne droite, mais un réseau complexe où le passé et le présent coexistent et s’influencent mutuellement.

Pour conclure ce premier atelier, Manon Lefebvre (Université Polytechnique des Hauts-de-France) s’est proposée de traiter de la télévision d’enfermement et des enfermements scénaristiques à travers l’exemple de la série Quantico (2015). La présentation abordait la série par le prisme d’une comparaison avec la télé réalité, désignée comme télévision d’enfermement. Des thématiques récurrentes de ce type d’émissions sont réutilisées dans la série, notamment la promiscuité entre des gens aux physiques avantageux ou encore l’élimination de personnages épisode après épisode. Quantico rentre donc parfaitement dans ces codes, suivant le modèle d’enfermement scénaristique et d’espaces diégétiques influençant l’espace narratif.  La série utilise la notion d’enfermement, à la fois physique et narratif, comme moteur central de sa tension dramatique. Structurée autour de flashbacks et de complots multiples, elle enferme ses personnages dans des situations de crise constantes et répétitives. Cet enfermement se manifeste spatialement, dans des lieux restreints et hautement contrôlés comme les salles d’entraînement ou les bunkers. Manon Lefebvre établit une comparaison entre Quantico et la téléréalité dite d’enfermement: des scènes intimes, telles que le brossage de dents dans les dortoirs, renforcent le sentiment de confinement et contribuent à l’effet de voyeurisme auprès des téléspectateurs que l’on retrouve dans ce genre de télé-réalité. Narrativement, Quantico opère un double enfermement scénaristique. Le premier réside dans sa construction en énigmes imbriquées, avec une narration fragmentée et non-linéaire (flashbacks, flashforwards) emprisonnant le spectateur dans un labyrinthe temporel, où chaque nouvelle révélation remet en question les événements précédents. Le second enfermement concerne les personnages eux-mêmes : pris au piège de secrets, de trahisons et de manipulations, ils sont constamment mis à l’épreuve, incapables de se libérer de leur passé ou de leurs choix. Manon Lefebvre traite également de la réception de Quantico et de son échec commercial à travers une étude comparative avec une autre série télévisée diffusée sur la même chaîne, How to Get Away with Murder, qui a été un grand succès malgré une structure similaire à Quantico, puisque celle-ci a réussi à s’émanciper du modèle d’enfermement.

Ces différentes interventions ont montré l’importance de la manière dont les récits gèrent le temps et l’espace dans la réception des histoires par les lecteurs et téléspectateurs.

Atelier 2 : L’espace palimpseste

Cet atelier, présidé par Mélanie Joseph-Vilain, fut consacré à la notion d’espace palimpseste. Le terme, emprunté à la pratique médiévale de réécrire sur des parchemins déjà utilisés, évoque des espaces où les strates du passé se superposent et coexistent avec le présent. Il s’agit donc d’une manière de penser l’espace comme un texte vivant, fait de traces, d’effacements et de réécritures.

L’atelier s’est ouvert sur l’intervention de Jean-François Chassay : « Entrelacement des espaces dans Stella Maris et Le passager de Cormac McCarthy ». Dans ces deux romans, l’entrelacement des espaces reflète une tension constante entre le tangible et l’intangible, le réel et l’imaginaire. Ces deux œuvres, profondément imbriquées, explorent des lieux physiques, tels que les paysages du sud des États-Unis ou encore les hôpitaux psychiatriques, mais les transcendent en les mêlant à des espaces mentaux, émotionnels et philosophiques. Dans Stella Maris, l’espace de la clinique devient un lieu où les frontières entre le corps et l’esprit, entre la science et la métaphysique, s’effacent. Stella Maris introduit une parenthèse temporelle qui complexifie le roman précédent à travers le dialogue entre une jeune mathématicienne et son psychiatre. La protagoniste appartient à trois états superposés : entre la réalité historique, les mathématiques et ses expériences de vie, l’espace-temps se confond dans ses propos. Par exemple, sa culpabilité et son rapport à la mort sont exprimés à travers les mathématiques. Le Passager, lui, juxtapose les étendues naturelles avec des espaces de confinement intérieur, où les dialogues intérieurs et les souvenirs hantent le protagoniste. Ces espaces ne sont jamais fixes : ils se contaminent et se fragmentent, à l’image des thèmes de perte, de mémoire et de quête de sens. Dans ses récits, McCarthy superpose le physique, les mathématiques et le spirituel, les utilisant ainsi à la manière des palimpsestes.

Yves Davo (Université de Bordeaux) a ensuite abordé la question de la poétique de l’espace New-Yorkais à travers les temps passé, présent, futur dans Specimen Days de Michael Cunningham. Le roman interroge l’essence même de la ville comme lieu de transformation et de mémoire. Il décrit Manhattan sur plusieurs centaines d’années à travers trois histoires à partir d’un seul lieu. Les trois récits donnent un caractère historique à ce roman social qui se subdivise en trois genres: l’histoire de fantômes, le polar et la fable futuriste. Le travail de Cunningham se distingue par sa représentation du temps chaotique entre passé, présent et futur autour d’un lieu unique dystopique à fuir. Les récits sont enchâssés dans cette présentation d’une poétique de l’entropie américaine, alliant mémoire, écriture de la nature et récit de voyage. Le roman met en scène trois personnages archétypaux (une femme, un homme et un enfant) dont les identités et incarnations changent à chaque temporalité : cela permet à Cunningham de mieux représenter le chaos du temps, d’explorer les thèmes de la mémoire et de la perte, mais également d’interroger la diversité de l’expérience urbaine new-yorkaise. Dans le New York industriel du XIXe siècle, l’espace est imprégné de l’ardeur du progrès et des injustices sociales. Le New York contemporain, en revanche, est un paysage de perte et de résilience, marqué par le vide laissé par la violence historique et par la quête d’une humanité dans un monde fragmenté. Enfin, dans un futur dystopique, la ville devient un espace hybride, où la technologie et la nature s’entrelacent, et où la présence humaine vacille face à des bouleversements écologiques et identitaires. Ainsi, à travers ces trois temporalités, New York semble apparaître comme un palimpseste vivant, un espace qui se réinvente sans cesse tout en portant les traces des histoires collectives et individuelles, la ville devenant une métaphore du passage du temps.

Ces deux interventions mettent en avant la manière dont les récits contemporains entremêlent des dimensions spatiales et temporelles pour questionner la réalité. Ces œuvres révèlent la manière dont les lieux portent les traces du passé tout en se réinventant sans cesse.

La première journée s’est clôturée par la diffusion du film Dark City, réalisé par Alex Proyas.

Atelier 3 : Paysages de l’espace-temps

Le vendredi 22 novembre 2024 se poursuivait le colloque : Espace-temps de la fiction avec un troisième atelier portant sur les paysages de l’espace-temps et présidé par Arnaud Regnauld.

Dans un premier temps, Sylvie Bauer (Université de Rennes 2) a abordé la thématique des collisions spatio-temporelles dans 10.04 de Ben Lerner dans sa présentation : « A would be Withman of the vulnerable grid ». Ces collisions, qui renvoient à des moments où les dimensions de l’espace et du temps s’entrecroisent ou se chevauchent, sont centrales à la structure narrative et au propos du livre. Le récit est en effet construit comme un collage d’épisodes disjoints, entrelacés par les réflexions du narrateur (un écrivain fictif, fondé sur Lerner lui-même). De plus, les multiples références aux catastrophes naturelles (ouragans Irene et Sandy) soulignent une vision cyclique du temps.  Néanmoins, Lerner utilise également des lieux spécifiques qui deviennent des points de convergence pour différentes temporalités, participant à son exploration temporelle. La métatextualité du roman (le titre faisant écho à un moment suspendu dans le film Back to the Future) constitue un clin d’œil à la manipulation narrative du temps.

Hélène Machinal (Université de Rennes 2) a ensuite traité des espaces-temps dans l’œuvre Sea of Tranquility d’Emily St.John Mandel, en adoptant une posture relativement critique à l’égard de l’œuvre. Le récit s’articule autour d’un principe de palindrome, conçu comme un écho symétrique reliant différents moments et lieux et explorant la nature du temps et de ses interconnexions. Le roman navigue en effet entre plusieurs époques et lieux qui semblent au premier abord disparates mais sont liés par une anomalie commune : un phénomène sonore et visuel récurrent qui devient un point de jonction. La symétrie narrative du roman questionne également la linéarité du temps et explore un modèle où toutes les époques coexistent en résonance.

La communication d’Hortense Boulais-Ifrene, (Université de Paris 8), introduit la question des ruines à travers les mondes persistants. Les mondes virtuels, qui existent depuis les années 1980, reflètent le monde réel et évoluent en permanence, avec ou sans les joueurs. Hortense Boulais-Ifrene se concentrait dans sa communication sur ces mondes anciens et inhabités, laissés pour ruines. L’époque contemporaine semblerait ne pas laisser de ruines, et Hortense Boulais-Ifrene s’interroge sur un potentiel lien entre la disparition de ces ruines et celle de l’imaginaire. Effectivement, l’existence des mondes persistants semble révéler une nouveauté de notre époque : les ruines ne sont plus physiques, mais numériques, et à travers notre expérience de ces mondes inactifs, nous expérimentons les ruines. Hortense Boulais-Ifrene conclut sa communication en évoquant la question de la conservation de ces mondes persistants : faut-il les garder en mémoire ?

L’étude des paysages de l’espace-temps s’est poursuivie par la présentation d’Anne-Sophie Letessier (Université Jean Monnet-Saint Etienne) : « In the midst of a ruin » : remembering and archiving in Christine Lai’s Landscapes (2023) ». La présentation explorait les thèmes de l’art, de la mémoire et de la représentation, situant ces réflexions dans un contexte dystopique où la civilisation est en déclin. Le rôle de l’art est interrogé, en tant que moyen de préserver et de reconstruire non seulement les paysages physiques, mais aussi les paysages émotionnels et culturels. Dans le roman Landscapes, la mémoire du lieu joue un rôle central, tissant une réflexion sur la façon dont les espaces portent les traces du passé, à la fois visibles et invisibles. Situé dans une demeure en déclin, au sein d’un monde post-apocalyptique marqué par des pertes irréparables, le roman explore la façon dont les lieux deviennent des archives vivantes, où les souvenirs, les émotions et les récits s’inscrivent dans les murs, les objets et les paysages environnants. À travers le regard de sa protagoniste, archiviste et témoin du passage du temps, l’auteure montre que chaque lieu est un palimpseste, un espace où cohabitent les échos des vies passées et les transformations du présent. La maison elle-même devient un personnage, un sanctuaire de mémoire menacé par l’effacement, illustrant la fragilité des liens entre les êtres humains, leur histoire et leur environnement.

Conférence plénière: Bertrand Gervais, “L’idiotie architecturée: formes aliénées de pensée dans les Workplace Dystopias”

Pour conclure le troisième et avant-dernier atelier du colloque, Bertrand Gervais a évoqué, pendant une conférence plénière présidée par Hélène Machinal, le sujet des ‘Workplace Dystopias’, les dystopies de bureau, des lieux de travail qui, sous l’action capitaliste de l’entreprise, deviennent de vraies dystopies. Son étude s’est focalisée sur quatre œuvres de fiction, de différents genres, époques, formats. En effet, pour étudier le cas des dystopies de bureau, Bertrand Gervais s’est penché sur les cas de Severance (Dan Erickson, 2022), The Matrix (Lana & Lilly Wachowski, 1999), Playtime (Jacques Tati, 1967) et enfin Bartleby (Herman Melville, 1853). Ces quatre œuvres explorent toutes l’idée du lieu de travail comme un lieu oppressant et dystopique. Ainsi, la communication de Bertrand Gervais visait à relever les points communs, les distinctions, et les modes de fonctionnement de ces différentes dystopies de bureau, tout en les lisant à travers l’axe de l’idiotie architecturée, où tous les employés de ces différents bureaux sont rendus “idiots”.

La première partie de son analyse, consacrée à la forme subtile de l’idiotie que les œuvres explorent, examinait différents éléments de ces dystopies de bureau, tels que la place de la dystopie, la responsabilité de l’employé dans la création de cette dystopie, comme dans Bartleby par exemple, mais également le mode d’expérience de la dystopie de bureau, en contrastant l’expérience de l’intérieur et de l’extérieur (en comparant Playtime et les autres œuvres). Dans cette première partie d’analyse, Bertrand Gervais poursuit l’exploration de ces lieux à travers leur échelle : dans The Matrix, où les bureaux et le monde que l’on connaît cachent un univers en guerre où les humains servent de source d’énergie à des machines, la dystopie de bureau est placée à une échelle considérable, bien différente des dystopies de bureau des autres œuvres. Enfin, Bertrand Gervais conclut cette première partie en évoquant la question de la scission dystopique telle qu’elle est présente dans Severance, où les personnages ont deux consciences qui n’interagissent pas, l’une étant “l’outie”, l’autre étant “l’innie”. Dans ce monde dystopique où les deux consciences de l’individu ne peuvent interagir, les employés de Severance sont condamnés à rester dans leur dystopie-bureau, puisque même la mort (en témoigne la tentative – ratée – de suicide d’Ellie) ne peut les libérer.

Dans la seconde partie de sa conférence, Bertrand Gervais explore la question de la banalisation du mal dans un espace où les employés sont susceptibles de subir les pires manipulations. Il étudie d’abord la question de l’anonymat et évoque, pour qualifier les employés de ces dystopies de bureau,  la notion d’“armée d’anonymes”. L’anonymat est aussi lié à la question de l’idiotie, et dans cette armée d’aveugles, Bertrand Gervais voit des figures idiotes, car la mémoire et l’oubli aliènent les personnages. Il utilise l’exemple de The Matrix et de Severance pour explorer la dimension aliénante de l’anonymat et de l’oubli.

Ensuite, l’aspect aliénant du lieu de travail “idiotisant” a été explorée. Le labyrinthe du bureau, présent dans les quatre œuvres, favorise la perte des repères et permet de créer le parfait “idiot”: l’employé qui obéit aveuglement à son supérieur, et qui accepte son sort dans la dystopie. Les labyrinthes qui figurent dans les œuvres étudiées ont tous la même fonction : aliéner les personnages. Dans Severance et Playtime, le labyrinthe est un bureau presque sans fin, où les personnages s’égarent, à défaut de s’en échapper ou d’y entrer. Dans The Matrix, le labyrinthe prend la forme d’un mouvement constant et inarrêtable, que les personnages ne peuvent qu’emprunter comme un train en marche. Enfin, dans Bartleby, c’est l’immobilisation du personnage et son déplacement dans une prison qui l’aliène. Bertrand Gervais a ensuite développé l’idée des gestes désémiotisés, qui vient sublimer l’idiotie des employés. Les actions des personnages n’ont aucun sens, et ces derniers refusent de leur donner du sens (comme Bartleby qui répond “I would prefer not to”), ou en sont incapables (comme les raffineurs de Severance). Ainsi, leurs gestes n’ont aucun sens, et les employés du bureau des raffineurs n’ont aucune idée de l’utilité de leur travail.  Il explique que dans Severance, les personnages rangent des nombres dans des catégories qui correspondent aux quatre tempéraments, qui, d’après ce que les employés ont appris, ont été découverts par le chef d’entreprise. Cette gloire donnée au fondateur est de même que l’idiotie des personnages, nécessaire au système dystopique, qui semble refléter les systèmes autoritaires fascistes, puisque Bertrand Gervais va jusqu’à comparer l’entreprise de Severance au régime fasciste de Mussolini.

Bertrand Gervais conclut donc que la dystopie requiert l’idiotie de ses sujets: “l’idiot est incapable de vivre dans une communauté”. Il manque à l’idiot quelque chose qui le fait appartenir, et cela l’empêche de se constituer en groupe. Ces dystopies fonctionnent de différentes manières, et Bertrand Gervais classifie différentes dystopies à portée hégémonique en quatre sous-catégories: celles qui fonctionnent par morcellement du temps (favorisant la désorientation) ; celles qui procèdent à un morcellement de l’espace, rendant les déplacements difficiles ; celles qui opèrent par morcellement des sphères d’activité, “où la vie et le travail vont jusqu’à s’exclure mutuellement” ; et celles qui fonctionnent par morcellement du sensible, où les perceptions sont brouillées, et où le réel et le virtuel se confondent. Il évoque enfin l’économie de l’information, et explique que dans les dystopies, l’industrie de la surveillance et du contrôle sont primordiales pour le régime dystopique. Finalement, Bertrand Gervais explique que les dystopies de bureau ne sont pas sans issues, mais que la destruction de la dystopie doit nécessairement se faire par les “idiots”.

Atelier 4 : Espace-temps filmique et télévisuel

Le quatrième et dernier atelier du colloque, présidé par Shannon Wells-Lassagne, était consacré à la question de l’espace-temps filmique et télévisuel. Les interventions de cet atelier ont tenté d’explorer l’espace-temps et ses manipulations à l’écran, entre stagnation, dérèglement, et saturation.

La communication de Gaïd Girard (Université de Bretagne Occidentale) était consacrée au dérèglement de l’espace-temps dans Tenet (Christopher Nolan). Comme les autres films de Christopher Nolan, Tenet joue avec le temps. Mais contrairement à ses autres films, Tenet vient presque détruire sa propre chronologie. Gaïd Girard rappelle que le film a eu bien des interprétations, dont le choix de rester dans l’ignorance et la confusion face à la chronologie du film. La structure en palindrome de Tenet joue de cette confusion, lorsqu’on revoit des scènes d’un autre point de vue, la boucle temporelle du film vient donc se replier en son milieu. Elle explique sa propre interprétation du film, qui est celle de raviver l’intérêt pour les cinémas à la sortie de la pandémie, dans une œuvre qui vient s’ancrer dans les origines mêmes du cinéma, le spectacle. Les personnages du film suivent la tradition cinématographique la plus ancienne puisqu’ils sont unidimensionnels et sans profondeur psychologique. Ainsi, les personnages ne sont que des supports d’action. Les dialogues à peine audibles, la chronologie désordonnée du film et ses nombreuses références mystérieuses au carré Sator viennent rappeler aux spectateurs que le cinéma, plutôt que de suivre une narration claire, est un spectacle.

L’étude de l’espace-temps filmique et télévisuel s’est poursuivie par la présentation de Joséphine Grébaut (Université Paris Nanterre), « Le palimpseste de Los Angeles : Saturation spatio-temporelle dans les films contemporains sur l’Usine à Rêves », à travers l’étude du film Maps to the Stars de David Cronenberg. La saturation spatio-temporelle s’inscrit véritablement au cœur de la narration de ce film et s’exprime à travers des motifs récurrents comme l’impasse, les fantômes et un espace-temps autophage. Ces éléments soulignent la déliquescence des personnages et du monde hollywoodien dans lequel ils évoluent, créant une vision oppressante d’un espace saturé par le poids du passé, de la célébrité et des illusions brisées. Cette saturation, à la fois spatiale et temporelle, annihile tout espoir de rédemption ou de renouveau, laissant les personnages sombrer dans un vide inéluctable. La représentation de l’impossibilité à se renouveler dévore l’œuvre elle-même qui n’arrive pas à se libérer de ces impasses et de cette saturation : c’est en raison de cette obsession du creux et d’un écrasement inéluctable que le film n’a pas réussi à trouver son public et a rencontré un succès relativement limité.

La communication de Marjolaine Boutet, professeure à l’Université de Paris Nord, était consacrée à la notion de temps arrêté, de l’espace immuable, et de strates mémorielles dans la sitcom Hogan’s Heroes. Cette communication, qui venait conclure le colloque, explore dans un premier temps l’espace immuable de la sitcom. La comédie d’enfermement Hogan’s Heroes était “un projet de sitcom carcéral”, qui suit les aventures de prisonniers de guerre, qui, plutôt que de s’évader, restent dans le stalag pour faire s’échapper les autres prisonniers. En cela, l’espace de la sitcom est immuable : le camp, quand il est détruit, est toujours reconstruit à l’identique dans l’épisode qui suit, et la neige partiellement fondue est toujours présente. La structure narrative est également assez close et répétitive : il se passe à la fois tout et rien. Ainsi, dans la sitcom, le temps est arrêté : le pilote indique l’année 1942, mais au cours de la série, plusieurs événements sont mentionnés (notamment le complot contre Hitler de juillet 1944) de manière anachronique. Il n’y a aucun respect des événements historiques, et la guerre ne se termine jamais, malgré le fait que chaque épisode présente son scénario comme déterminant pour la victoire des Alliés. Enfin, Marjolaine Boutet conclut sa communication en explorant l’aspect cathartique de la série. La Shoah est “un fantôme qui hante Hogan’s Heroes sans jamais se montrer.” La série inclut des acteurs pour la plupart immigrés, juifs, qui ont fui le régime nazi. Ainsi, Marjolaine Boutet explique que d’une certaine manière, Hogan’s Heroes, en se moquant des Nazis et en les tournant au ridicule, rend le souvenir de la Seconde Guerre mondiale plus facile à supporter.

Le colloque Espace-temps de la fiction a permis d’explorer la manière dont la fiction manipule et transforme l’espace et le temps, tant dans la littérature que dans le cinéma et la télévision.

Le premier atelier a permis d’étudier comment les séries télévisées manipulent l’espace et le temps pour enrichir leurs récits. Les interventions ont mis en lumière la capacité des séries à jouer avec la temporalité, qu’il s’agisse de voyages dans le temps ou de réflexions sur la mémoire et la nostalgie. De Watchmen à Quantico en passant par Star Trek ou The Haunting of Hill House, chaque intervention a révélé comment les récits fictionnels et télévisuels exploitent les contraintes spatiales et temporelles pour nourrir les intrigues.

Le deuxième atelier, consacré à la notion d’espace palimpseste, a exploré la manière dont les récits contemporains superposent et réécrivent les espaces. Les œuvres de Cormac McCarthy et de Michael Cunningham transforment de simples lieux géographiques en de véritables lieux de mémoire et de réinvention. L’espace, loin d’être un cadre figé, devient dynamique et chargé de significations. Ces œuvres, qu’elles soient littéraires ou cinématographiques, montrent comment les espaces ne cessent de se reconfigurer, portant en eux les traces du passé tout en projetant l’avenir.

Le troisième atelier a introduit les paysages spatio-temporels à travers diverses œuvres, mettant en lumière les collisions temporelles, les mondes persistants et les ruines physiques et numériques. Les interventions ont montré comment ces récits manipulent l’espace et le temps pour interroger la mémoire et le passé. De plus, lors de sa conférence plénière de sur les Workplace Dystopias, Bertrand Gervais s’est servi d’œuvres telles que Severance et The Matrix pour mettre en évidence l’aliénation des personnages dans des lieux de travail oppressifs.

Le quatrième et dernier atelier du colloque a examiné les manipulations de l’espace-temps dans le cinéma et la télévision. Les différentes interventions ont mis en lumière des œuvres qui déconstruisent la temporalité et créent des atmosphères saturées, déréglées ou figées. Des œuvres comme Tenet ou Maps to the Stars utilisent ces concepts pour perturber la perception du spectateur. En contraste, la sitcom Hogan’s Heroes a illustré un espace-temps figé, où la répétition et la satire permettent de traiter des sujets lourds avec légèreté.

Colloque Espace-temps de la fiction

L’équipe Individu & Nation s’associe à l’équipe Image & Critique pour l’organisation d’un colloque intitulé “Espace-temps de la fiction”, qui aura lieu les 21 et 22 novembre 2024 (organisation: Shannon Wells-Lassagne et Mélanie Joseph-Vilain)

Programme

Jeudi 21 novembre 2024

9h Accueil/café
9h30 Ouverture du colloque

Atelier 1 : La série et l’espace-temps (Audrey Haensler, présidente de séance)
9h45: Elaine Després, UQAM, “Tulsa, 1921 et autres destinations voyages : faire l’expérience et faire partie de l’Histoire afro-américaine”
10h10: Florent Favard, IECA Nancy, “L’espace-temps narratif de la franchise Star Trek”
10h35: Louis-Paul Willis, UQAT, “Le lieu du ‘nostos’: réflexions sur la nostalgie et l’espace”
11h: Questions

11h15-11h45 Pause

11h45: Marine Galiné, Université de Reims Champagne-Ardenne, “Dislocation and contraction of time and space in Mike Flanagan’s The Haunting of Hill House (2018)”
12h10: Manon Lefebvre, Université Poytechnique des Hauts de France, “Quantico (ABC, 2015-2018) : télévision d’enfermement, enfermements scénaristiques ?”
12h35: Questions

12h50-14h15 Repas

Atelier 2 : L’espace palimpseste (Mélanie Joseph-Vilain, présidente de séance)
14h15: Jean-François Chassay, UQAM, “Entrelacement des espaces dans Stella Maris et Le passager de Cormac McCarthy”
14h40: Yves Davo, Université de Bordeaux, “Specimen Days de Michael Cunningham : Poétique de l’espace new-yorkais à travers les temps passé, présent, futur”
15h05: Laure Lévêque, Université de Toulon, “L’Uchronie de Renouvier (1857, 1876), un chronotope impérial romain au service de l’idée républicaine française”
15h30 Questions

15h45-16h Pause

16h: Projection : Dark City (Alex Proyas, 1998)

Dîner 19h30 : Restaurant Dzenvies, 12, rue Odebert, 21000 Dijon (arrêt tram T1 ou T2 « Godran les Halles »)

Vendredi 22 novembre 2024

9h Accueil/café

Atelier 3 : Paysages de l’espace-temps (Arnaud Regnauld, président de séance)
9h15: Hélène Machinal, Université de Rennes 2, “‘I am the anomaly’, les espaces-temps de Sea of Tranquility d’Emily St. John Mandel”
9h40: Sylvie Bauer, Université de Rennes 2, “‘A would-be Whitman of the vulnerable grid’ : collisions spatio-temporelles dans 10:04 de Ben Lerner”
10h05: Hortense Boulais-Ifrene, Université de Paris 8, “Archéologie des mondes persistants : un renouveau radical de l’imaginaire des ruines”
10h30: Anne-Sophie Letessier, Université Jean Monnet-Saint Étienne, “‘In the midst of a ruin’: remembering and archiving in Christine Lai’s Landscapes (2023)”
10h55 Questions

11h10-11h40 Pause

11h40: Conférence plénière : Bertrand Gervais, “L’idiotie architecturée : formes aliénées de pensée dans les Workplace Dystopias” (Hélène Machinal, présidente de séance)

12h50-14h15 Repas

Atelier 4 : Espace-temps filmique et télévisuel (Shannon Wells-Lassagne, présidente de séance)
14h15: Gaïd Girard, Université de Bretagne Occidentale, “Jusqu’où dérègler l’espace-temps au cinéma ? L’exemple de Tenet (Christopher Nolan, 2020)”
14h40: Joséphine Grébaut, Université de Paris-Nanterre, “Le palimpseste de Los Angeles : Saturation spatio-temporelle dans les films contemporains sur l’Usine à Rêves”
15h05: Marjolaine Boutet, Université de Paris Nord, “Temps arrêté, espace immuable et strates mémorielles dans la sitcom Hogan’s Heroes (CBS, 1965-1971)”
15h30 Questions

15h45 café et fin du colloque