15 novembre 2024 : « L’armée s’en accommode » : itinéraire d’un homosexuel allemand dans la Wehrmacht (1939-1944) 10h-12h Salle R03 (MSH) et en visioconférence
Intervenants : Patrick Farges (Université Paris Cité/ICT), discutante : Odile Roynette (Université de Bourgogne/LIR3S)
14 mars 2025 : Étudier les mutations de l’Amérique contemporaine à l’écran : méthodes et outils d’analyse 10h-12h Salle R03 (MSH) et en visioconférence
Intervenants : Audrey Haensler (Université de Bourgogne/TIL) et Manon Lefebvre (Université Polytechnique Hauts-de-France/LaRSH)
Inscription pour la visioconférence : audrey.haensler@u-bourgogne.fr
11 avril 2025 : Approches critiques du populisme : analyse des performances politiques et entretiens psychosociaux 10h-12h Salle R03 (MSH) et en visioconférence
Intervenants : Théo Aiolfi (Université de Bourgogne/TIL), Thomas Zicman de Barros (Sciences Po Paris/CEVIPOF)
Inscription pour la visioconférence : theo.aiolfi@u-bourgogne.fr
Rédigé par Anaïs Larue, Anthony Louro, Clément Roman et Lou-Anne Saccard (M1 REVI)
Le 14 mars 2025, l’équipe Individu et Nation a organisé le séminaire “Étudier les mutations de l’Amérique contemporaine à l’écran : méthodes et outils d’analyse”. Ce séminaire, présenté par Manon Lefebvre, maîtresse de conférences en civilisation des États-Unis à l’Université Polytechnique des Hauts-de-France et par Audrey Haensler, maîtresse de conférences à l’Université Bourgogne Europe avait pour but d’analyser comment la télévision américaine reflète et influence les mutations de la société contemporaine à travers deux thématiques majeures.
Manon Lefebvre (Université Polytechnique Hauts-de-France/LaRSH): “Visualpropaganda is an extremely powerful tool.” (Blindspot, S02E04) : les transformations du FBI après le 11 septembre 2001 au prisme de ses représentations dans les séries sécuritaires.
Manon Lefebvre a étudié les transformations du FBI et à quel point ces changements ont été reflétés dans les séries sécuritaires, des séries télévisées qui se concentrent sur des thèmes liés à la sécurité nationale états-unienne, des forces de l’ordre aux services de renseignement en passant par exemple par la lutte contre le terrorisme. Elle a travaillé sur plusieurs séries dont Quantico (2015), FlashForward (2009) ou encore Blindspot (2015), série sur laquelle portait cette communication. Manon Lefebvre a analysé la manière dont les séries sécuritaires mettent en scène la sécurité nationale et le FBI à travers plusieurs aspects : les techniques de narration, la représentation de la surveillance et l’idéalisation des institutions, en particulier après les attentats du 11 septembre 2001, qui ont profondément affecté l’image du FBI.
En effet, l’intervenante a expliqué que certains membres du Congrès, considérant cet événement comme un échec de sa mission de protection du territoire, ont envisagé sa suppression. Cependant son directeur, Robert Mueller, nommé quelques semaines avant les attentats, a su défendre son hybridité, l’agence étant chargée à la fois du maintien de l’ordre et du renseignement, tandis que d’autres agences (telles que la CIA) ne remplissent qu’une seule de ces fonctions. L’agence a par la suite été restructurée en profondeur en se basant prioritairement sur le renseignement, sous la direction de Robert Mueller jusqu’en 2013.
Manon Lefebvre évoque également la question de la délimitation de son corpus. Elle évoque tout d’abord un problème de délimitation de celui-ci, et explique que le genre des séries sur le FBI n’existe tout simplement pas, alors même qu’il existe énormément de séries qui décrivent l’organisation et ses membres. Mais c’est cette variété qui les définit, puisque les séries que l’intervenante étudie sont caractérisées par une forte hybridité de genre : la plupart empruntent les codes des séries policières ou d’actions, mais certaines empruntent des codes à la science-fiction (FlashForward), ou utilisent des références à la culture populaire (Blindspot). Un autre problème qu’elle a rencontré est notamment la question de la quantité, puisque selon elle, jusqu’à trois séries sur le FBI sont produites chaque année, qui durent généralement entre 3 et 5 saisons, avec certaines qui vont même jusqu’aux 15 saisons. Manon Lefebvre explique finalement que c’est cette hybridité des séries sur le FBI qui a justifié ses choix d’études, puisque cette variété permet de voir les différentes représentations du FBI parmi les genres.
Par ailleurs, l’intervenante explique que les séries des années 2010 ont évité souvent d’évoquer frontalement les attentats du 11 septembre, le trauma de l’événement étant encore trop récent dans l’esprit des spectateurs. Malgré cela, elles ont tout de même reflété les transformations du FBI, notamment sa nouvelle position stratégique ainsi que l’évolution de ses méthodes. Dans la série Blindspot, cette évolution se retrouve dans le personnage de Patterson, analyste scientifique qui occupe un rôle central. Autrefois considérés comme des personnages de second plan, les analystes sont rapidement devenus des personnages centraux dans le monde du renseignement, montrant ainsi le nouveau FBI de Robert Mueller : une agence des forces de l’ordre qui ne peut fonctionner que grâce au travail des analystes. Les séries qui mettent en scène le FBI mettent également en scène le cycle du renseignement par les relations et dialogues entre les différents personnages. Les épisodes s’ouvrent et se ferment systématiquement sur le personnage de Patterson, dont les monologues font progresser l’intrigue, jusqu’à l’ultime résolution des tensions de l’épisode. L’étude de Manon Lefebvre a également démontré l’importance du dialogue comme outil narratif. Blindspot, censée se dérouler à New York, a été tournée en studio, laissant la place aux échanges verbaux entre personnages. Effectivement, l’intervenante explique que, contrairement au cinéma qui possède des budgets importants et qui cherche plutôt à montrer aux spectateurs qu’à leur dire explicitement en utilisant la technique du “show, don’t tell” (montrer, ne pas raconter), les séries font l’inverse : par manque de budget et de temps, les scénaristes préfèrent révéler des informations aux spectateurs par les dialogues, utilisant par exemple le personnage amnésique de Jane Doe pour demander aux analystes de clarifier le langage scientifique de Patterson, et permettre aux spectateurs de suivre l’intrigue de l’épisode.
Manon Lefebvre a ensuite évoqué le contrôle du FBI sur l’image médiatique en expliquant la relation complexe que l’agence entretient avec Hollywood, notamment avec l’utilisation de leur logo dans les productions audiovisuelles. L’intervenante explique qu’il est juridiquement protégé et oblige par conséquent les studios à obtenir une autorisation pour l’intégrer à leurs productions. Le FBI possède donc un pouvoir de validation implicite sur son image dans les créations, qui selon l’intervenante, est une preuve de leur implication dans les médias et de leur volonté de projeter une certaine image de l’agence, celle de l’agence reconstruite par Robert Mueller après les attentats du 11 septembre.
La communication de Manon Lefebvre a ainsi montré que les séries télévisées, plus que de simples fictions, représentent de véritables supports de représentation pour des institutions telles que le FBI, désireuses de redorer leur image aux yeux du public. Les productions audiovisuelles comme Blindspot participent à une sorte de “propagande visuelle”, permettant au FBI de présenter et d’affirmer sa nouvelle organisation, une agence hybride qui, grâce à ses renseignements, neutralise les menaces terroristes qui planent sur les Etats-Unis.
Audrey Haensler (Université Bourgogne Europe / TIL): Une télévision post-placard pour une Amérique post-gay ? Interroger les représentations LGBTQ+ au prisme des évolutions sociales et politiques des cinquante dernières années
Couverture de Time Magazine, 14 avril 1997
Audrey Haensler a ensuite évoqué l’arc narratif du coming out dans la fiction sérielle et dans le monde de l’Amérique contemporaine. Pour étudier un sujet aussi vaste, Audrey Haensler s’est tout d’abord concentrée sur les arcs narratifs de coming-out présents dans les séries qu’elle regardait quotidiennement, avant d’élargir son corpus à 133 arcs narratifs d’intrigues de coming out diffusés à la télévision américaine en prime time soit 96 séries entre 1997 et 2022. Pour déterminer pourquoi cet arc narratif s’est imposé dans ce médium (la télévision), dans ce format (la fiction sérielle), et dans ce contexte (les Etats-Unis entre 1997 et 2022), elle a mobilisé divers champs disciplinaires, notamment les études sérielles et cinématographiques, l’histoire des médias, des représentations, des sexualités, ainsi que les études de genre, queer et culturelles. Sur le plan méthodologique, plusieurs approches ont été mises en avant, dont l’analyse quantitative, l’analyse filmique, l’analyse de discours et l’analyse socio-historique. Par ailleurs, l’utilisation d’une base de données a également été présentée comme un outil essentiel pour mieux comprendre les dynamiques dramaturgiques, commerciales et économiques qui ont contribué à la persistance de certaines représentations du coming out.
La présentation se concentre sur les raisons idéologiques et politiques de ces représentations à travers la thèse de « l’Amérique post-gay » selon laquelle l’homosexualité ne serait plus un sujet ou un problème dans une société où l’homophobie n’existe plus. La placardisation étant massivement utilisée dans les médias, Audrey Haensler s’interroge sur la manière dont le coming-out s’est imposé aux Etats-Unis. Elle remarque que la métaphore de la “mise au placard” est arrivée tardivement : en effet, jusque dans les années 50, des métaphores alternatives comme celle de la mascarade naissent avec l’idée de communauté homosexuelle (Gay New York : gender, urban culture and the makings of the Gay Male World, George Chauncey, 1994). Les persécutions s’intensifient pendant la Seconde guerre mondiale et la cristallisation de la métaphore du placard s’ensuit. Afin de lutter contre l’homophobie latente, le coming-out est représenté comme un récit dominant. Dans Histoire de la sexualité, Foucault décrit le coming-out comme un aveu, une confession qu’on fait à l’autre. De grandes crispations comme le maccarthisme ou la Lavender menace naissent pendant la seconde moitié du XXème siècle pendant la guerre, moment de rigidification des catégories de genre et des identités sexuelles. Cependant, cette période est accompagnée de moments d’évolution, s’en suit donc un militantisme qui utilise le coming-out comme un outil pour montrer que les homosexuels existent et sont présents, un militantisme particulièrement présent pendant la crise du SIDA, parfois surnommé le « cancer gay ». En parallèle, la loi de 1994 « Don’t Ask Don’t Tell » cherche un compromis et permet aux homosexuels de servir dans l’armée, mais leur impose le silence absolu sur leur sexualité.
A la télévision, la première mention de « homosexual(s) » a lieu en 1954 pendant les auditions de McCarthy contre l’armée américaine, retransmises sur ABC. Cependant, la première scène représentant le coming-out d’un personnage principal diffusé en prime time arrive bien plus tard, avec le coming out du personnage d’Ellen dans la saison 4 de la sitcom au même nom (Ellen, ABC, 1997). Le coming-out de ce personnage était double puisqu’il s’agissait non seulement du coming-out lesbien du personnage d’Ellen mais aussi de l’actrice qui joue ce rôle. Le synopsis de cette scène a été fuité intentionnellement lors de la diffusion de la saison 4 afin de connaître en avance la réaction du public puisque le contexte de l’époque est peu favorable. De plus, l’épisode a été tourné en présence d’un public qui pouvait réagir en direct, une réaction positive accompagnée d’applaudissements et de hurlements de joie. Malgré un retour qui semblait globalement positif, l’équipe qui travaille sur cette sitcom a reçu des menaces de mort ainsi que des alertes à la bombe. Pendant cette scène, Ellen réduit le coming-out à un problème personnel et psychologique, ce qui suggère que ses peurs sont infondées. Or après cette annonce l’actrice a été blacklistée pendant dix ans des castings, de même pour Laura Dern, l’autre actrice présente dans cette scène.
Après cet événement, il n’y eut plus de personnages LGBTQIA+ pendant trois à quatre ans sur le petit écran jusqu’au début des années 2000, et toujours à travers l’intrigue du coming-out. Par exemple, la série télévisée Urgences diffusée sur la NBC présente une intrigue autour d’un personnage queer dans les saisons 7 et 8 : il s’agit de Kerry Weaver qui réalise son coming-out après que son amante secrète a été licenciée à cause de son homosexualité, permettant de mettre en lumière le danger réel que représente le coming-out et les effets psychologique de l’homophobie latente aux Etats-Unis. Ensuite, dans les saisons 4 et 5 de The L Word diffusées entre 2007 et 2008, le personnage de Tasha, en tant que militaire, est soumise à la loi “Don’t Ask Don’t Tell”, et la série met alors en avant l’hypocrisie de cette mesure censée protéger les homosexuels mais qui a surtout servi à les persécuter. Tasha réalise son coming-out en cour martiale et conteste l’appellation de déshonneur qui pèse sur elle, l’homosexualité étant vue comme une honte dans l’armée. Deux ans après la diffusion, en 2010, la loi a été abrogée.
Ainsi, l’évolution de la société américaine influence les représentations sur le petit écran, et sous la présidence d’Obama, la thèse post-gay doublée d’une thèse post-raciale (qui met en avant l’idée d’une Amérique qui ne souffre plus de la question du racisme) et la légalisation du mariage gay. Cependant, les arcs de coming-out se multiplient à la télévision car cela permet d’ajouter un aspect dramaturgique et de dire l’homosexualité sans la montrer. Le coming-out devient donc un outil narratif permettant de révéler des secrets, et l’émergence des plateformes de streaming offre une diversification des profils. Les séries « vintage » proposent un déplacement spatio-temporel : on peut montrer une Amérique homophobe, ce qui permet de légitimiser le coming-out et les peurs du personnage queer, et cela apporte de l’authenticité à l’ancrage spatial à travers la mise en scène de petites villes de l’Amérique profonde.
Mais Audrey Haensler nuance le propos : il n’y a pas d’Amérique « post-placard ». En effet, l’intervenante rappelle que sous la nouvelle administration Trump, les termes comme « LGBT », « sexual preferences » ou encore « men who have sex with men » disparaissent et malgré un progressisme apparent dans la société américaine, les attaques homophobes s’intensifient avec les lois « Don’t Say Gay » en Floride, les censures de livres et curriculums ainsi que l’abandon des politiques de diversité, équité et inclusion (DEI) par de nombreuses grandes entreprises. Elle explique que ce nouveau climat politique aura un impact sur la fiction engagée et la représentation sur le petit écran.
Les échanges qui ont suivi les deux interventions ont permis d’insister sur certains points précis (présence ou non de consultants du FBI sur les séries évoquées par Manon Lefebvre, détails sur la base de données mise en place par Audrey Haensler pour étudier son corpus) ainsi que sur la question plus générale du rapport entre les séries et le public.
Conclusion: Ce séminaire a permis de mettre en lumière la façon dont les mutations politiques et sociales de l’Amérique contemporaine sont non seulement reflétées, mais également influencées par leur représentation à l’écran, derrière les récits fictionnels des séries sécuritaires comme Blindspot ou les intrigues narratives autour du coming-out.
Rédigé par Anaïs Larue, Anthony Louro, Clément Roman et Lou-Anne Saccard (M1 REVI)
Le 14 février 2025 a eu lieu la troisième séance de la série du séminaire “Questions de méthodes” de l’équipe Individu et Nation, intitulée « La positionnalité du chercheur en SHS (Sciences Humaines et Sociales) » et organisée par Indiana Lods et David Bousquet. Ce séminaire interdisciplinaire à visée méthodologique avait pour objectif de questionner la position du chercheur dans ses objets de recherche et sa posture vis-à-vis de son objet d’étude.
Théo Aiolfi, Université Bourgogne Europe: “Ne pas nourrir la « hype populiste » : étudier l’extrême droite sans légitimer ses méthodes.”
Théo Aiolfi, détenteur de la chaire Professeur Junior “Discours identitaires et diversité dans l’espace public” au Centre Interlangues ‘Texte, Image, Langage’ de l’Université Bourgogne Europe, a ouvert le séminaire à travers sa présentation intitulée “Ne pas nourrir la « hype populiste » : étudier l’extrême droite sans légitimer ses méthodes”, où il redéfinit et étudie le populisme sous l’angle de l’extrême droite dans le cadre de ses recherches. Théo Aiolfi aborde un problème central pour les chercheurs en sciences humaines et sociales : comment étudier l’extrême droite et le populisme de façon rigoureuse, sans involontairement légitimer ces mouvements ? Cette question est devenue particulièrement importante depuis 2016 : en effet, après le Brexit et l’élection de Trump, le terme “populisme” a envahi les médias et les discussions publiques. Cette surexposition pose un défi éthique aux chercheurs : comment parler de ces sujets sans alimenter ce que l’intervenant appelle la “hype populiste” ?
Théo Aiolfi commence par rappeler que le terme “populisme” fait l’objet de nombreuses définitions et qu’aucun consensus n’existe à ce jour sur sa nature. En s’appuyant sur les recherches de Stavrakakis, il met en évidence deux critères communs à toutes les définitions : l’opposition entre le peuple et les élites, ainsi que la place centrale accordée au peuple dans le discours. Mais le concept de “peuple”, un “signifiant vide” selon la théorie de Laclau, varie selon qui l’utilise. Le peuple dont parle Jean-Luc Mélenchon n’est pas le même que celui de Marine Le Pen. Pour la gauche, il est souvent inclusif et ouvert. Pour l’extrême droite, il est généralement fermé et défini par des critères ethniques ou culturels, à des échelles différentes. Théo Aiolfi propose une approche stylistique du populisme qui s’articule autour de trois types de performances : celles de l’identité qui mettent en scène l’opposition peuple/élite, celles de la transgression qui s’incarnent par une figure singulière, et celles de la crise.
Cette approche permet de comprendre comment le style populiste peut servir différentes idéologies. Le populisme se veut protestataire et conflictuel. À gauche, il permet de moderniser le clivage marxiste traditionnel entre prolétariat et bourgeoisie. À l’extrême droite, il confère une légitimité populaire à un agenda xénophobe en fusionnant les concepts de peuple et de nation. Le terme “populisme” porte une double connotation dans le débat public. D’un côté, il évoque positivement la démocratie et la souveraineté populaire, de l’autre, il est associé péjorativement à la démagogie, l’amateurisme et l’extrémisme. Cette ambivalence pose un défi particulier aux universitaires qui doivent naviguer entre ces différentes perceptions. Le phénomène de “hype populiste” identifié par Mondon et Glynos révèle comment le terme est souvent utilisé comme euphémisme, pour éviter des concepts plus précis comme “extrême droite”, “nationalisme” ou “fascisme”. Cette substitution a deux effets pervers : elle masque l’idéologie sous-jacente tout en accordant une légitimité populaire à des mouvements extrémistes. De nombreuses figures de l’extrême droite ont mobilisé le style populiste avec beaucoup de succès comme Donald Trump aux Etats-Unis ou encore Jair Bolsonaro au Brésil. La droite populiste fonctionne à travers une stratégie de normalisation efficace pour créer une proximité avec les classes populaires et ainsi se différencier des autres politiciens. Or le populisme n’est pas nécessairement d’extrême droite et l’extrême droite n’est pas nécessairement populiste.
Théo Aiolfi explique que la montée du populisme d’extrême droite trouve ses racines dans une constellation de facteurs. D’abord, notre époque est marquée par une perte généralisée des repères identitaires, conséquence de la mondialisation et des transformations sociales rapides. Cette fragilisation identitaire s’accompagne d’une banalisation inquiétante du racisme et de la xénophobie dans le discours public. L’écosystème médiatique joue un rôle crucial dans cette dynamique. Les réseaux sociaux et certains médias traditionnels offrent une plateforme de choix pour la diffusion des idées d’extrême droite, amplifiant leur portée et leur influence. Cette visibilité accrue s’inscrit dans un contexte de crise de la démocratie représentative, perçue comme de plus en plus élitiste et déconnectée des préoccupations citoyennes. L’affaiblissement des partis traditionnels, comme on l’observe notamment avec les Républicains en France, crée un vide politique que l’extrême droite s’empresse de combler. Ces formations politiques ont développé une stratégie de normalisation sophistiquée, cherchant à se présenter comme des alternatives légitimes et respectables. Face à cette montée, la réponse des forces politiques traditionnelles s’est souvent limitée à un anti-populisme peu constructif. Cette posture, qu’illustre la théorie du fer à cheval, tend à confondre extrême droite et gauche radicale : il s’agit de menaces équivalentes pour la démocratie. Cette approche simpliste contribue paradoxalement à discréditer toute alternative au statu quo centriste-libéral présentée comme anti-démocratique, renforçant ainsi le sentiment d’absence d’alternatives politiques crédibles et rendant difficile le positionnement des chercheurs dans les études sur le populisme.
Face à cette configuration complexe, Théo Aiolfi propose plusieurs principes méthodologiques pour guider la recherche sur le populisme et éviter le double écueil qui consisterait soit à contribuer à la « hype populiste », soit à adopter une posture antipopuliste qui délégitimerait toute radicalité. Il recommande d’abord d’analyser le phénomène au niveau des pratiques et des discours plutôt que des acteurs, permettant ainsi une analyse plus fine du phénomène. Il souligne ensuite l’importance de distinguer le style populiste de l’idéologie sous-jacente, une séparation nécessaire pour comprendre comment différents mouvements politiques peuvent utiliser des stratégies populistes similaires. La contextualisation constitue un autre élément clé de sa méthodologie. Le chercheur rappelle que le populisme n’explique pas tout et doit être analysé dans un cadre plus large. Sur le plan terminologique, il encourage l’usage de termes précis et appropriés, mettant en garde contre l’utilisation du “populisme” comme euphémisme pour des réalités politiques relevant de l’extrême droite ou de l’autoritarisme. Enfin, Théo Aiolfi plaide pour une description nuancée du populisme qui évite les généralisations abusives et refuse la diabolisation systématique de la radicalité politique. Il critique ainsi les discours présentant le populisme comme une menace inhérente pour la démocratie, y voyant une forme d’élitisme démophobe qui délégitime les mouvements contestataires, présentant le peuple populiste comme un danger pour la démocratie ou l’antichambre de l’autoritarisme
Ary Gordien (CNRS/URMIS), “Ethnographie en terrain familier : penser l’imbrication entre origine, race, famille et militantisme”
La Guadeloupe vue depuis l’ISS, Par ISS Expedition 12 crew member — http://eol.jsc.nasa.gov/SearchPhotos/photo.pl?mission=ISS012&roll=E&frame=8736, Domaine public, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=5511041
Ary Gordien, anthropologue et chargé de recherches au Centre National de la Recherche Scientifique (CNRS) à l’Unité de Recherche Migrations et Société (URMIS), a ensuite présenté une communication intitulée « Ethnographie en terrain familier : penser l’imbrication entre origine, race, famille et militantisme ». Il y a abordé comment la positionnalité du chercheur influence son rapport à l’objet d’étude, sa méthodologie de recherche, ainsi que ses approches analytiques et théoriques.
Ary Gordien illustre la dynamique entre empirisme et positionnalité à travers son propre parcours. S’il a passé son enfance en Guadeloupe, il a quitté l’île pour rejoindre l’hexagone : Gordien se retrouve alors dans une position qu’il qualifie d’outsider within[1]– à la fois autochtone et étranger. Ce statut ambivalent lui confère des avantages dans l’accès à certains réseaux, notamment les cercles militants anti-colonialistes souvent issus du même milieu social que sa famille, mais crée simultanément des obstacles dans ses interactions avec d’autres communautés, comme les populations créoles ou d’ascendance indienne. L’intervenant souligne que le fait de provenir d’un lieu ne garantit pas le partage de traits communs uniformes avec ses habitants. La multiplicité des facteurs identitaires rend ainsi problématique toute conception binaire d’intériorité ou d’extériorité par rapport à une société. Parallèlement, sa formation et son statut scolaire lui ont permis d’accéder plus aisément à certains milieux intellectuels et militants anticolonialistes, révélant ainsi comment les marqueurs sociaux peuvent transcender ou renforcer d’autres facteurs identitaires (l’ethnie) dans le contexte de la recherche.
L’analyse du parcours intellectuel d’Ary Gordien illustre l’influence significative de la positionnalité sur la construction théorique et méthodologique du chercheur. Son évolution académique se caractérise par trois phases distinctes qui témoignent de l’interaction entre trajectoire personnelle et cadres de pensée. D’abord initié au militantisme, il s’oriente vers les sciences sociales pour comprendre scientifiquement l’antillanité. Sa formation universitaire l’expose à une approche classique et positiviste, avec une insistance sur la neutralité axiologique. Il observe dans son environnement académique une méfiance envers les études de genre, postcoloniales et les “studies” anglo-saxonnes, ainsi qu’un malaise autour des questions raciales. Cette résistance institutionnelle le conduit à identifier ce que les chercheuses Aisha Beliso-De Jesús and Jemima Pierre nomment une “suprématie mondiale blanche[2]” dans le milieu académique, où les chercheurs issus de minorités voient leur légitimité scientifique questionnée en raison de leur proximité supposée avec leurs objets d’étude. Sa propre expérience lors de son mémoire de M1 sur le milieu gay antillais à Paris illustre ce phénomène. Lors de sa soutenance, un des membres du jury lui reproche un manque de clarté sur son positionnement, tandis qu’un autre, un psychanalyste lacanien, critique l’absence de références à l’homosexualité comme pathologie. Les remarques de ses pairs et jury concernant son utilisation du concept de genre et sa posture de chercheur ont révélé des préjugés tenaces qui ont renforcé sa conscience critique des rapports de force au sein des institutions académiques.
En conclusion, Ary Gordien souligne que la positionnalité n’est pas uniquement une question d’identité, mais qu’elle renvoie à des processus de catégorisation qui conditionnent l’accès au terrain et l’interprétation des données. Son expérience personnelle met en lumière la nécessité de penser ces dynamiques de manière critique afin d’adopter une posture réflexive sur les implications politiques et sociales de la recherche. Ainsi, loin de constituer un obstacle à l’objectivité scientifique, la prise en compte de la positionnalité permet d’enrichir l’analyse en intégrant une réflexion sur les rapports de pouvoir qui structurent les disciplines académiques et les terrains de recherche. Dans cette perspective, il remet en question l’apparente neutralité politique de la classe lettrée. Son expérience personnelle illustre ce décalage : tandis qu’il éprouvait une distance vis-à-vis des enjeux politiques métropolitains, il a observé que ses collègues considéraient certains engagements militants comme des comportements naturels, voire (faussement) évidents (aller coller des affiches LFI etc.).
Les discussions qui ont suivi les deux interventions ont permis d’approfondir plusieurs questions essentielles, notamment la reconnaissance des privilèges et l’imbrication entre recherche et militantisme. Théo Aiolfi met en évidence la tendance à identifier plus facilement les discriminations subies que les privilèges liés à sa propre position sociale. Il illustre ce constat en admettant avoir bénéficié de la montée en popularité du populisme qui lui permit d’obtenir un financement de thèse, tandis qu’Ary Gordien a profité d’un accès privilégié à son terrain de recherche grâce à son appartenance (certes relative) au milieu qu’il étudiait. Lorsqu’un membre de l’auditoire a interrogé les intervenants au sujet de leurs motivations d’écriture, Théo Aiolfi a expliqué que sa recherche répondait à une triple aspiration : occuper une place dans l’espace public, bien que son influence sur les politiques publiques reste limitée ; exercer un rôle social en favorisant l’ouverture de débats ; et enfin, assouvir un intérêt politique en abordant des préoccupations citoyennes et en démystifiant les personnalités et concepts au premier abord tout-puissants. Pour Ary Gordien, l’écriture scientifique est à la fois un moyen de stimulation intellectuelle et un outil permettant de déconstruire les rapports de force, y compris ceux au sein des minorités elles-mêmes. Ainsi, la recherche ne consiste pas seulement à dénoncer des oppressions visibles, mais aussi à révéler des dynamiques plus complexes. En définitive, la positionnalité, loin d’être un obstacle, constitue une ressource précieuse pour une recherche engagée et réflexive.
Conclusion : Ce séminaire a offert un cadre de réflexion sur les défis méthodologiques et éthiques liés à la place du chercheur dans son objet d’étude. La prise en compte de cette positionnalité apparaît alors comme une ressource pour produire une recherche rigoureuse. Les présentations ont mis en évidence que la positionnalité ne peut être dissociée des dynamiques sociales et politiques qui structurent le champ d’étude. De cette façon, la posture du chercheur ne doit pas être envisagée comme un simple reflet de son identité, mais comme un travail constant de mise à distance critique, permettant d’appréhender l’objet d’étude dans toute sa complexité.
Appel à communications: Le but de ce colloque, qui se tiendra à Dijon les 23 et 24 octobre 2025, sera d’aborder la science-fiction (SF) à travers le prisme de ses mutations (sous-genres, mouvements et traditions) afin de passer au crible le foisonnement des productions artistiques et des discussions qui s’y rattachent, ainsi que leur exploitation en dehors de la sphère proprement artistique. Comme son titre l’indique, il s’agira d’explorer et de comprendre divers phénomènes de « friction » entre formes littéraires et artistiques, entre imaginaires, entre cultures, entre arts et sociétés.
La question des filiations littéraire et artistiques des origines des genres, sous-genres et mouvements peut ainsi être mobilisée pour réaffirmer une hiérarchie entre les formes ou œuvres d’art reconnues comme légitimes et d’autres considérées plus populaires, comme la tradition des « pulp » ou encore les œuvres crées en ligne au sein de « fandoms », (Bould 2007) voire faire l’objet d’un rejet de la notion même de genre dans un esprit postmoderne, à l’image du slipstream (Kelly and Kessel 2006).Le caractère polymorphe de la science-fiction (à la fois genre, mouvement et mode) ainsi que sa longévité et son succès la rend propice à une multitude d’adaptations et de réappropriations qui s’emparent des codes, topoi et tropes de la science-fiction comme d’un langage pour penser le monde dans toute sa complexité (Hollinger 2014 ; Kilgore 2003). Les débats portant sur la science-fiction elle-même (ses contours, ses conventions génériques et son canon) sont également le fruit de contextes sociohistoriques spécifiques et de stratégies de légitimation ayant pour but de se faire une place au sein du monde littéraire et artistique en général (Rieder 2010; Wolfe 2014).
Les mouvements tels que l’afrofuturisme né aux Etats-Unis (Dery 1993; Eshun 1998; Nelson 2002; Womack 2013), l’essor de la science-fiction africaine et des travaux en lien avec celle-ci (Adejunmobi and Coetzee 2019; Hamza 2022; Mangeon 2022), ainsi que les réappropriations et relectures de la SF par divers mouvements et écoles (notamment le féminisme ou l’écocritique) en font un terreau fertile pour représenter, penser et articuler les sentiments d’appartenance, ainsi que le croisement des identités individuelles et collectives, nationales et transnationales, locales et globales.
A titre d’exemple, les conversations intellectuelles, académiques et artistiques autour de l’afrofuturisme ont mené à une requalification (Mashigo 2018), parfois même un rejet de l’afrofuturisme (Nnedi Okorafor 2019). Sous l’égide de termes comme « African futurism » (Phatsimo Sunstrum 2013) et « Africanfuturism » (Okorafor 2019; Talabi 2020; Wabuke 2020), une création proprement africaine de la SF produite en Afrique, riche et diversifiée, renforce l’affirmation de la spécificité de traditions science-fictionnelles proprement africaine (Hamza 2022) ou sud-africaine (Muller 2022) bien souvent préexistantes à l’afrofuturisme. De même, on peut s’interroger sur d’autres formes « récupératrices » qui impliquent et mettent en scène des zones géographiques et culturelles étendues, laissant émerger tant une circulation qu’une réappropriation.
Un autre type de friction qui pourrait être exploré de façon fructueuse est celle entre cultures et entre imaginaires dans la lignée de ce que l’écrivain Michael Roch, s’inspirant de la poétique de la relation d’Edouard Glissant, désigne comme une « science-fiction de la relation[1] », qui renouvellerait une SF encore majoritairement occidentale en allant « chercher dans la marge de l’Occident, là où justement de nouvelles voix émergent (…) : vers la science-fiction asiatique, portée par Liu Cixin par exemple (Le Problème à trois corps ou Terre errante, Actes Sud « Exofictions »), vers la science-fiction noire américaine, africaine et bientôt caribéenne[2] ». On pourrait aussi évoquer l’émergence de « poétiques afropolitaines et afrotopiques » (Arnold et Bertho 2023) sur le continent africain et la façon dont ces imaginaires font jouer, dans tous les sens du terme, des formes, cultures et codes variés pour évoquer une « Afrique au futur » (Mangeon 2022).
Ce colloque est ainsi articulé autour de l’expression « science-friction » empruntée à Kim Hendrickx (Hendrickx 2019) car ces « zones grises » entre les différents genres, sous-genres, traditions et mouvements permettent de mettre en lumière la dimension politique de la science-fiction au travers des négociations identitaires qui s’opèrent dans ces zones de contact ainsi que les enjeux esthétiques qui sous-tendent, permettent et découlent de ces négociations. Il est ainsi ouvert à toutes les langues, cultures et aires géographiques et à tous les médias et formes artistiques afin mettre en lumière la complexité et la richesse de ces « frictions ». A ce titre, le colloque pourrait utilement alimenter les réflexions en cours dans l’équipe Individu et Nation sur la question de l’appartenance et le rôle des formes artistiques dans son exploration : étudier les « usages politiques » (Besson 2021) de la SF, et les contours qu’elle se donne, dans des aires culturelles et géographiques diverses permettrait de contraster et de comparer les définitions qui y émergent et par là même, de proposer une réflexion sur les liens entre SF et identités.
Parmi les nombreuses pistes que la notion de « science-friction » permettrait d’aborder, on peut évoquer, sans que ces suggestions soient exhaustives, la question des labels et réappropriations ; l’historiographie et les frictions entre passé, présent et futur ; la mobilisation des imaginaires et leurs représentations ; les phénomènes de réécritures et les frictions intertextuelles et transtextuelles ; les pratiques artistiques qui découlent de ces stratégies de réemploi, de bricolage ou de hacking ; les mouvements, les genres et sous-genres et les divers contacts et frictions qu’ils mettent en jeu ; le passage d’un médium à un autre et les frictions transmédiales ; l’intégration de codes de la SF dans des œuvres de littérature dite « blanche » ; les écritures collaboratives ; le passage de la recherche académique à l’écriture de SF (on pense aux cas de Namwali Serpell, Sofia Samatar, ou encore Nnedi Okorafor) ; les formats et leurs usages, fandoms et fanfictions et, plus largement, la question des frictions et contacts entre réception et création ; l’utilisation de la SF dans des contextes non littéraires (voir par exemple la « Red Team » mise en place par l’armée française pour envisager les menaces futures et imaginer les mesures à prendre pour les prévenir ou les traiter) ; les contextes de production et de diffusion. Tous les types de corpus sont possibles à partir du moment où ils mettent en jeu la question de la science-fiction et de ses frontières.
Call for papers: This conference, to be held in Dijon on October 23 and 24, 2025, will seek to approach science fiction (SF) through the prism of its mutations (sub-genres, movements and traditions) in order both to sift through the abundance of artistic productions and related discussions, and to examine their exploitation outside the strictly artistic sphere. As the title suggests, the aim is to explore and understand various phenomena of “friction” between these literary and artistic forms, between imaginary worlds, between cultures, between the arts and society.
The question of literary and artistic filiations and the origins of genres, sub-genres and movements can thus be mobilized to either reaffirm a hierarchy between “legitimate” and more popular art forms (in the “pulp” tradition, or in works created online within “fandoms”, Bould 2007), or on the contrary be the object of a rejection of the very notion of genre in keeping with postmodern theories, as in slipstream fiction (Kelly and Kessel 2006). Both the polymorphous nature of science fiction (at once genre, movement and mode) and its longevity and success make it conducive to a multitude of adaptations and re-appropriations that appropriate the codes, topoi and tropes of science fiction as a language for thinking about the world in all its complexity (Hollinger 2014; Kilgore 2003). Debates about science fiction itself (its contours, generic conventions and canon) are also the result of specific socio-historical contexts and legitimation strategies aimed at finding a space for SF within the literary and artistic world at large (Rieder 2010; Wolfe 2014).
Movements such as the American-born Afrofuturism movement (Dery 1993; Eshun 1998; Nelson 2002; Womack 2013), the rise of African science fiction and works related to it (Adejunmobi and Coetzee 2019; Hamza 2022; Mangeon 2022), as well as the reappropriation and rereading of SF by various movements and schools (notably feminism or ecocriticism) make it fertile ground for representing, thinking about and articulating feelings of belonging, as well as the intersection of individual and collective, national and transnational, local and global identities.
Thus for example the intellectual discourse surrounding Afrofuturism has led to a reappraisal (Mashigo 2018) or even a rejection of that terminology (Nnedi Okorafo 2019). The birth of a rich, diversified and distinctively African creation of SF produced in Africa under the aegis of terms such as “African futurism” (Phatsimo Sunstrum 2013) and “Africanfuturism” (Okorafor 2019; Talabi 2020; Wabuke 2020), has reinforced the affirmation of SF traditions that are specifically African (Hamza 2022) or South African (Muller 2022) and which often preexisted Afrofuturism. Similarly, other “recuperating” forms involving or exploring extended geographical and cultural areas, and testifying to both circulations and reappropriations, could be examined.
Another type of friction that could be fruitfully explored is that between cultures and between imaginaries, along the lines of what writer Michael Roch, drawing inspiration from Edouard Glissant’s poetics of “relation” (Glissant 1990; 1993), calls a “science fiction of relation”, which would renew a still predominantly Western SF by “looking to the margins of the West, precisely where new voices are emerging (…): towards Asian science fiction, led by Liu Cixin for example (The Three-Body Problem or The Wandering Earth), towards African American, African, and soon Caribbean, science fiction”. Another possible topic would be the emergence of “Afropolitan” and “Afrotopian” poetics (Arnold and Bertho 2023) on the African continent, and the way in which these imaginaries bring into play, in every sense of the word, a variety of forms, cultures and codes to evoke an “Africa of the future” (Mangeon 2022).
This conference is thus articulated around the expression “science friction” coined by Kim Hendrickx (Hendrickx 2019), because these “grey zones” between different genres, sub-genres, traditions and movements offer the ability to highlight the political dimension of science fiction through the identity negotiations that take place in these contact zones, as well as the aesthetic issues that underlie, enable and result from these negotiations. The conference is thus open to all languages, cultures and geographical areas, and to all media and artistic forms, in order to highlight the complexity and richness of these “frictions”. In this respect, the conference aims to study the “political uses” (Besson 2021) of SF, and the contours it gives itself, in diverse cultural and geographical areas, which would make it possible to contrast and compare the definitions that emerge, and thereby propose a reflection on the links between SF and identities.
Among the many avenues that the notion of “science fiction” could explore, we might mention the question of labels and reappropriations; historiography and the frictions between past, present and future; phenomena of rewriting and intertextual and transtextual frictions; the artistic practices resulting from these strategies of recycling, bricolage or hacking; movements, genres and subgenres and the various contacts and frictions they bring into play; the passage from one medium to another and transmedia frictions; the integration of SF codes into works of so-called “general” literature; collaborative writing; the transition from academic research to SF writing (e.g. Namwali Serpell, Sofia Samatar, Nnedi Okorafor); formats and their use, fandoms and fan fiction and, more broadly, the question of frictions and contacts between reception and creation; the use of SF in non-literary contexts (e.g. the “Red Team” set up by the French army to envisage future threats and devise measures to prevent or deal with them); production and distribution contexts. These suggestions are, of course, not exhaustive. All types of corpus are possible, as long as they raise the question of science fiction and its boundaries.
Arnold, Markus, & Elara Bertho. 2023. “Poétiques afropolitaines et afrotopiques : imaginer les possibles, recréer le monde”. French Studies in Southern Africa 53 : 1-22.
Atwood, Margaret. 2011. In Other Worlds: SF and the Human Imagination. London: Virago.
Besson, Anne. 2021. Les pouvoirs de l’enchantement. Usages politiques de la fantasy et de la science-fiction. Paris: Vendémiaire.
Bould, Mark. ‘Come Alive by Saying No: An Introduction to Black Power SF’. Science Fiction Studies 34, no. 2 (2007): 220–40.
Bould, Mark. ‘The Ships Landed Long Ago: Afrofuturism and Black SF’. Science Fiction Studies 34, no. 2 (2007): 177–86.
Dery, Mark. 1993. “Black to the Future: Interviews with Samuel R. Delany, Greg Tate, and Tricia Rose.” South Atlantic Quarterly 92 (4): 735–78. https://doi.org/10.1215/00382876-92-4-735.
Eshun, Kodwo. 1998. More Brilliant Than the Sun: Adventures in Sonic Fiction. Anniversary edition. London: Quartet Books.
Glissant, Edouard. Poétique de la relation. Poétique III. Paris : Gallimard, 1990.
–. Poetics of Relation. Ann Arbor: University of Michigan Press, 1993. Trans. Betsy Wing.
Hamza, Abd El Khadr. 2022. “Afrique(s) et Science-fiction. Histoire(s) et représentations.” Thèse de doctorat, Université de la Sorbonne nouvelle – Paris III. https://theses.hal.science/tel-04237898.
Hollinger, Veronica. 2014. “Genre vs Mode.” In The Oxford Handbook of Science Fiction, edited by Rob Latham, 139–51. Oxford ; New York: Oxford University Press.
Wabuke, Hope, 2020. “Afrofuturism, Africanfuturism, and the Language of Black Speculative Literature”, L.A. Review of Books
Kelly, James P., and John Kessel, eds. 2006. Feeling Very Strange: The Slipstream Anthology. 1st ed. San Francisco: Tachyon Publications.
Kilgore, DeWitt Douglas, 2003. Astrofuturism: Science, race, and visions of utopia in space. University of Pennsylvania Press.
Langlet, Irène. 2006. La science-fiction : Lecture et poétique d’un genre littéraire. Paris : Armand Colin.
Langlet, Irène. 2020. Le temps rapaillé : Science-fiction et présentisme. Limoges : Presses universitaires de Limoges.
Mangeon, Anthony. 2022. L’Afrique Au Futur: Le Renversement Des Mondes. Collection “Fictions Pensantes.” Paris: Hermann.
Mashigo, Mohale. 2018. “Afrofuturism: Ayashis’ Amateki.” In Intruders: Short Stories, vii–xv. Johannesburg: Picador Africa.
Muller, Alan. 2022. “Futures Forestalled … for Now: South African Science Fiction and Futurism.” Current Writing: Text and Reception in Southern Africa 34 (1): 75–87. https://doi.org/10.1080/1013929X.2022.2035076.
Phatsimo Sunstrum, Pamela. 2013. “Afro-Mythology and African Futurism: The Politics of Imagining and Methodologies for Contemporary Creative Research Practices.” Edited by Mark Bould. Africa SF, Paradoxa, 25:113–30.
Rieder, John. 2010. “On Defining SF, or Not: Genre Theory, SF, and History.” Science Fiction Studies 37 (2): 191–209.
Wolfe, Gary K. 2014. “Literary Movements.” In The Oxford Handbook of Science Fiction, edited by Rob Latham, 59–70. Oxford ; New York: Oxford University Press.
Rédigé par Apolline Garaudel-Huart, Anaïs Larue, Anthony Louro, Clément Roman, avec l’aide de Lou-Anne Saccard (M1 REVI)
Le 24 janvier 2025 a eu lieu la deuxième séance de la série de séminaires interdisciplinaires « Questions de Méthodes » de l’équipe Individu et Nation, intitulée « Table ronde théorique et méthodologique : théorie et études de cas ». L’objectif était d’illustrer comment les chercheurs et chercheuses mobilisent et appliquent les mêmes théories et courants de pensée de grandes figures des sciences humaines dans leurs domaines de spécialité respectifs. Ce séminaire visait à offrir aux membres du laboratoire, ainsi qu’aux étudiants de master et doctorants, une vision approfondie des méthodologies propres à chaque discipline, en mettant en lumière les synergies interdisciplinaires qui enrichissent la recherche.
Marc Smith, Université Bourgogne Europe: « Plusieurs exemples d’exploitation méthodologique du concept d’hégémonie culturelle d’Antonio Gramsci »
Portrait d’Antonio Gramsci, vers 30 ans, au début des années 1920, http://eserver.org/, domaine public, via Wikimedia Commons
Marc Smith, maître de conférences en civilisation américaine, a ouvert la séance en proposant une communication intitulée « Plusieurs exemples d’exploitation méthodologique du concept d’hégémonie culturelle d’Antonio Gramsci » lors de laquelle il a expliqué le concept d’hégémonie culturelle et comment celui-ci a nourri ses recherches.
Il a d’abord présenté Antonio Gramsci, intellectuel et membre du Parlement italien ainsi que du parti communiste, emprisonné pour ses idées lors de la montée du fascisme. Gramsci a rédigé trente «Cahiers de prison» qui sont devenus des textes fondateurs de la “nouvelle gauche”. Ces cahiers étant rédigés en détention, leur étude représente une difficulté car Gramsci n’harmonise pas ses idées. Dans ses carnets, Gramsci dépeint la société comme vivante, composée de diverses dynamiques qui ont leur propre vie. Ainsi, l’art est, lui aussi, considéré comme une arme vivante, utilisé comme acteur social ou outil puisqu’il influence les schémas de pensées, tout en étant lui-même influencé par la culture dont les producteurs sont issus. De ce fait, une multiplicité de consciences collectives existent en parallèle, en interaction et en opposition les unes avec les autres, sans pour autant être contradictoires. Ces dynamiques sont utilisées pour faire bouger ou manipuler la société et la conscience collective dont nous sommes les porteurs.
À travers l’histoire du Comstock Act de la NYSSV (Société New-Yorkaise pour la Suppression du Vice), Marc Smith illustre les risques et dérives de l’hégémonie culturelle. Il présente d’abord l’historique de la YMCA, l’association des jeunes hommes chrétiens. Elle fut mise en place dans le Bronx par un groupe de philanthropes new-yorkais, qui cherchait à éloigner les jeunes hommes de l’alcool, de la drogue et de la prostitution, en les divertissant et les encourageant à s’adonner à des activités intellectuelles. Marc Smith précise qu’il s’agissait d’une association qui n’était en aucun cas liée au gouvernement, information essentielle à la compréhension du principe d’hégémonie culturelle expliquée par cette étude de cas.
Dans les années 1860, les membres de la YMCA fondent un comité spécial autour du sujet de “la littérature obscène” afin de protéger les jeunes hommes du vice. S’ensuit la rédaction d’une loi “Littérature Obscène” avec la ville de New York et avec l’aide de nombreux contacts ; cette loi délivre aux magistrats le pouvoir de perquisitionner et arrêter les vendeurs de “littérature obscène”. S’illustre ici un des premiers dangers de l’hégémonie culturelle : un comité d’individus partiaux se voit attribuer un pouvoir exécutif, normalement donné aux forces de police.
À la suite de cette mise en vigueur, le « Comité pour la suppression du vice » est créé pour faire appliquer des lois (le SSV). La YMCA prend un tournant lorsque Anthony Comstock, qui réalise une croisade personnelle pour fermer les saloons, demande un financement de 600 dollars à la YMCA, qu’il obtient, ainsi qu’un poste à plein temps pour faire appliquer la loi que les membres de la SSV ont mis en place. Entre 1869 et 1871, Comstock rédige un projet de loi et obtient un soutien du sénateur du Minnesota, qui fait remonter le projet jusqu’au Congrès. Ainsi, en mars 1873 est voté le « Comstock Act », qui rend, au niveau fédéral, illégal de vendre, prêter, donner ou exposer n’importe quelle chose de caractère obscène, ou tout contenu destiné à empêcher l’avortement ― une loi toujours en vigueur. Toujours en mars 1873, la SSV se détache de la YMCA : elle devient le NYSSV, une institution qui contrôle les mœurs de la population et qui fait appliquer ses lois à l’échelle de l’état de New York. Pour chaque amende distribuée, l’institution récolte une partie de cet argent.
Dans ce contexte, l’arrestation de nombreux marchands d’art, était peu prise au sérieux, par les habitants de l’Etat de New York comme par la cour de justice, bien que la légitimité de la loi même ne fut jamais remise en question . En effet, derrière les idées d’un seul homme et/ou groupe de personnes (Comstock et la NYSSV), se trouvait une conscience collective qui validait, ou en tout cas ne contredisait pas ces actions.
Le concept d’hégémonie culturelle est donc démontré par l’exemple des grands philanthropes de l’époque à travers la création du concept de l’« American Dream », c’est-à-dire l’existence d’un rêve américain symbolique où tout le monde peut réussir selon la trajectoire symbolique de la pauvreté à la richesse (« rags to riches »). Cela explique la position sociale des plus riches dans la société de l’époque et justifie comment, par le biais d’idéologies mettant en avant le devoir chrétien et le développement croissant du darwinisme social, des individus se retrouvent à la tête de grandes entreprises, leur permettant d’influer sur la politique d’un pays. Les consciences collectives existent en opposition à d’autres, et cette hégémonie culturelle permet de comprendre pourquoi aujourd’hui des personnes telles que Jeff Bezos ou Bill Gates ont autant de pouvoir, et pourquoi il n’existe qu’une résistance vague ou passive.
Philipp Jonke : « Théories sociologiques et études de mode: une étude de cas sur la mode en Allemagne autour de 1900 à partir de Georg Simmel et Pierre Bourdieu »
Couverture de Georg Simmel, Philosophie der Mode / Zur Psychologie der Mode. Zwei Essays (Hofenberg, 2016)
Philipp Jonke, maître de conférences en études germaniques, a continué le séminaire en s’intéressant aux « Théories sociologiques et études de mode » afin de montrer comment les théories sociologiques permettent de mieux comprendre le monde de la mode à Berlin à la fin du XIXème siècle. Il a tout d’abord fait référence à Diana Crane, professeure de sociologie, qui a beaucoup travaillé sur l’aspect sociologique de la mode et qui évoque les dynamiques sociales difficiles à déceler ainsi que les facettes économiques, au niveau de la production et de la consommation, qui mettent en place de nouvelles valeurs morales et esthétiques.
Philipp Jonke nous a dans un premier temps présenté le fonctionnement de la mode à Berlin à la fin du XIXème siècle: la production sérielle de vêtements en tailles standardisées fabriqués de manière industrielle s’étant démocratisée, la grande distribution avec des grands magasins et des magasins de confection s’est développée : il s’agit des débuts du prêt-à-porter. Les vêtements neufs n’étaient désormais plus réservés aux classes sociales élevées, et n’importe quelle personne pouvait avoir accès aux nouvelles créations à travers la mise en place d’expositions gratuites ou bien de vitrines, ce qui n’était pas le cas avant. La clientèle est donc devenue plus nombreuse et diversifiée, puisque les ateliers de couture étaient réservés à l’élite, ce qui a entraîné un changement d’opinion dans la presse et un point de départ dans la démocratisation de la mode grâce à un accès plus libre et moins cher.
Or, comme l’a précisé l’intervenant, le terme de « démocratisation » est trop simpliste pour résumer la relation entre la mode et la classe sociale au XIXème siècle. Malgré un accès à la mode facilité pour les classes moyennes et ouvrières, les rapports de force entre ces dernières et la culture bourgeoise, qui se voit et se définit à travers la mode, demeurent toujours.
Après cette brève présentation de la mode à Berlin à la fin du XIXème siècle, Philipp Jonke a poursuivi son intervention en évoquant les approches sociologiques de la mode du sociologue allemand Georg Simmel et de Pierre Bourdieu
Georg Simmel (1858-1918), contemporain de l’époque étudiée, a thématisé l’idée d’une mode de classes à travers un article de 1895, « Zur Psychologie des Mode. Eine sociologische Studie », dont le titre a évolué au fur et à mesure de ses versions, devenant « Philosophie der Mode » en 1905, puis « Die Mode » en 1911. Il y défend la théorie du trickle down (concept justifiant que les modes commencent dans les classes élevées et descendent jusqu’aux classes moyennes et populaires, et qui expliquerait donc que les classes supérieures changent de style vestimentaire pour se démarquer). Ce principe a provoqué un mouvement double de différenciation et d’adhésion : une association des « classes nerveuses » à la bourgeoisie soucieuse de conserver son statut social. La mode s’est ainsi configurée autour du rythme de la bourgeoisie : les collections en deux saisons qui permettaient à la bourgeoisie de maintenir son statut et l’existence de deux calendriers parallèles avec le calendrier mondain de la saison des bals en janvier, suivie de la saison de mode à partir de la fin février/début mars, prouvent combien la mode suivait les modèles de la grande bourgeoisie. La vitesse d’accès aux nouveautés est devenue à son tour un critère de différenciation : les défilés publics ne sont accessibles que lorsque l’on paie des frais d’entrée. Ainsi, le premier jour, il faut payer 3 marks afin d’avoir un accès prioritaire aux nouvelles tendances, puis 1 mark pour les autres jours. La théorie évolue, faisant place à l’industrie, qui s’autonomise, impose son temps et se détache progressivement de la classe sociale.
Ensuite, Philipp Jonke a continué son étude sous le prisme de Pierre Bourdieu afin d’étudier la mode comme un champ pour illustrer les rapports de force sociaux. Il a évoqué un article rédigé par Bourdieu et coécrit par Yvette Delsaut, « Le couturier et sa griffe », qui constitue une étude des maisons de couture parisiennes comme un champ (fondé sur une opposition entre dominant et dominé) qui n’est pas nécessairement conscient de l’être. Il est également nécessaire de comprendre la position des magasins dans le champ de la mode : « c’est la rareté du producteur qu’il occupe dans le champ qui fait la rareté du produit », explique Bourdieu dans « Le couturier et sa griffe ». De plus, les produits de qualité sont associés aux fournisseurs de la bourgeoisie. Bourdieu s’est notamment intéressé au cas de l’Allemagne, où les magazines de mode publiaient des listes de boutiques à fréquenter ou, au contraire, à éviter. Cette pratique établissait une hiérarchie commerciale qui reflétait les dynamiques sociales de la société allemande de l’époque. Le cas du créateur Hermann Gerson illustre bien ce phénomène : celui-ci mettait systématiquement en avant son titre de fournisseur officiel de la cour allemande, un prestige qui le plaçait au sommet de cette hiérarchie. Ensuite, Philipp Jonke a mentionné l’intervention de stratégies différentes mais complémentaires. Les magasins plus abordables utilisent les publicités afin de faire leur promotion, tandis que les dominants maintiennent leur position sans s’aligner aux autres, ce qui permet d’affirmer leur supériorité sociale, à travers la mode. Ainsi, plutôt que de parler d’une démocratisation de la mode, Philipp Jonke a donc expliqué qu’il y a plutôt une démocratisation de la bourgeoisie, qui impose ses propres productions, et donc une « bourgeoisification » (expression utilisée par Daniel Miller à propos du Bon Marché en France) de la mode, qui permet à la bourgeoisie de diffuser ses codes et de rester la classe dominante dans la mode.
Nathalie Le Bouëdec :Les apports de Foucault pour l’analyse historique de discours: l’exemple du discours sur l’indépendance de la justice en Allemagne
Couverture du Hors série Les Essentiels n°16 de la revue Sciences Humaines, avril-mai 2024
Lors de la troisième présentation, Nathalie Le Bouëdec, professeure des universités en civilisation allemande et coresponsable de l’équipe Individu et Nation, a offert un aperçu de son recours aux méthodes élaborées par Michel Foucault et relevant de l’analyse de discours. Il est essentiel de souligner que l’approche de Foucault sert d’outil méthodologique, puisqu’il ne fixe pas de méthodologie unique mais propose plutôt des grilles de lecture et pistes de réflexion sur différents sujets. Dans son étude, Nathalie Le Bouëdec s’est appuyée sur deux ouvrages : L’Archéologie du savoir (1969) et L’Ordre du discours (1971), dans lesquels Foucault offre une analyse du discours au-delà du cadre linguistique. Il observe les formations discursives comme des systèmes où les énoncés s’organisent selon certaines règles et entretiennent des relations avec le pouvoir, le savoir et les institutions. Ainsi, le discours appartient toujours à une « constellation discursive ». Les discours construisent l’objet dont ils parlent. À travers un système de production du discours contrôlé, les conditions discursives évoluent, et le discours représente un enjeu de pouvoir qui fonctionne avec un mécanisme d’inclusion et d’exclusion. Cette méthode s’applique particulièrement bien à l’étude du discours sur l’indépendance de la justice en Allemagne, à laquelle Nathalie Le Bouëdec s’est intéressée. L’analyse du discours sur l’indépendance de la justice en Allemagne englobe les lois, leur interprétation et les décisions de justice, et s’articule autour du principe selon lequel « les juges sont indépendants et uniquement soumis à la loi », comme l’indique la constitution de la république de Weimar, période de spécialité de l’intervenante.
Nathalie Le Bouëdec a relevé qu’après la chute de l’Empire allemand, deux discours s’affrontent. Le premier, porté par les forces conservatrices, présente l’indépendance judiciaire comme un bien précieux menacé par les partis et les critiques publiques. Le second, émanant des cercles républicains, adopte une perspective sociologique, et souligne la nécessité pour les juges de reconnaître leurs biais et d’incarner les valeurs républicaines. Cette opposition discursive reflète une lutte pour le contrôle institutionnel entre l’Association des juges allemands, conservatrice et nationaliste, et l’Association des juges républicains, soutenue par les sociaux-démocrates et les libéraux. Les premiers instrumentalisent le discours sur l’indépendance de la justice : avancer un énoncé moralement inattaquable leur permet de délégitimer leurs opposants tout en résistant aux changements socio-politiques. Les seconds, quant à eux, cherchent à redéfinir cette indépendance dans un cadre démocratique, en proposant notamment l’élection des juges par le peuple et en soulignant l’importance d’une justice alignée sur les valeurs républicaines. Cette opposition montre deux conceptions radicalement différentes de l’indépendance de la justice : l’une comme un principe absolu à préserver (conservateurs), l’autre comme un principe à repenser dans le contexte démocratique (républicains).
L’effondrement du régime nazi en 1945 entraîne une reconfiguration majeure des institutions, mais surtout du discours. À la suite de l’échec de la justice sous le nazisme, l’accent est mis sur l’engagement des juges envers la démocratie, et le paradigme du juge républicain s’impose. Ce renversement, qui légitime les positions autrefois marginales, ne constitue pas une rupture totale : la critique médiatique, par exemple, reste perçue comme une menace jusqu’aux années 1960. L’intervenante a expliqué que cette évolution illustre comment le discours sur l’indépendance judiciaire s’est transformé au gré des changements politiques, révélant les stratégies de légitimation des différents acteurs institutionnels.
Aujourd’hui, dans un contexte de crise démocratique, certains partis d’extrême droite tels que l’AfD (Alternative für Deutschland) réutilisent stratégiquement le discours sur l’indépendance de la justice pour discréditer les institutions. Cette analyse montre que le sens et la fonction du discours sur l’indépendance judiciaire varient selon les contextes historiques et politiques, et qu’il faut s’attacher à étudier l’ensemble de la constellation du discours, préconisé par Foucault.
Mélanie Joseph-Vilain : La biopolitique de Foucault et les études littéraires : lire la fiction dystopique et/ou postapocalyptique
Mélanie Joseph-Vilain, professeure des universités en études anglophones et coresponsable de l’équipe Individu et Nation, a clôturé le séminaire en discutant à son tour des théories de Michel Foucault, appliquées à son champ d’étude : l’intervenante a interrogé l’utilisation de Foucault pour analyser les littératures de l’imaginaire, en particulier la dystopie et les récits post-apocalyptiques. Ces récits abordent des thématiques centrales dans le travail de Foucault, notamment celles développées dans Surveiller et Punir et Les Anormaux. Mélanie Joseph-Vilain a mis en avant la richesse de la pensée de Foucault, qui se révèle applicable à une grande variété de champs disciplinaires : Foucault lui-même se considérait comme une « boîte à outils » (interview de Guillaume Bellon dans la revue Sciences Humaines, 2024), et souhaitait que ses idées et théories soient reprises et développées par d’autres après lui et permettent d’élaborer de nouvelles pensées.
La biopolitique, très souvent mentionnée (parfois sans que Foucault soit crédité), est une idée que son précurseur a lui-même assez peu exploré : l’intervenante a montré que dans l’essai « Naissance de la Biopolitique », Foucault évoque la biopolitique sans jamais la définir. En revanche, il s’épanche en considérations autour du libéralisme, du néolibéralisme, de la loi et de l’ordre. Dans ce texte, il examine le passage de la monarchie aux formes contemporaines de gouvernement, où le contrôle des corps devient essentiel. Cette évolution marque une transformation profonde du pouvoir politique, qui se concentre sur la vie biologique des individus. Foucault envisage ainsi la biopolitique comme un ensemble de pratiques visant à rationaliser les problèmes de gouvernance liés à la population, tels que la santé et la natalité. La notion de capital humain trouve également sa place. Cette idée s’inscrit dans une logique de marchandisation, particulièrement visible dans les littératures de l’imaginaire. Le néo-libéralisme traite l’humain comme un capital économique, renforçant des dynamiques de contrôle et d’exploitation qui trouvent écho dans des récits contemporains. En somme, la biopolitique est à l’image de la pensée de Foucault : au carrefour de plusieurs concepts théoriques, elle est féconde pour la critique littéraire de l’imaginaire, notamment pour analyser les thèmes du contrôle, du pouvoir et les notions de corps, de normes. Enfin, l’intervenante a également établi un lien entre Foucault et Margaret Atwood. Les œuvres post-apocalyptiques de cette dernière offrent une critique de la société néo-libérale et du capitalisme. Certains romans d’Atwood montrent comment la biopolitique éclaire les mécanismes de contrôle des corps, offrant ainsi aux thèses foucaldiennes des exemples fictionnels. Elle propose ainsi non seulement de lire Atwood avec Foucault, mais aussi de lire Foucault avec Atwood.
Conclusion : Le séminaire avait pour objectif d’ouvrir un espace de partage et d’échange pour les intervenants, leur permettant d’expliquer et appliquer les concepts théoriques sur lesquels ils ont fondé leurs objets d’étude respectifs.
Compte-rendu du colloque des 21 et 22 novembre organisé en collaboration avec l’équipe Image et Critique
Rédigé par des étudiants de la Junior Agence du Master REVI: Emma Bert (M2), Clémence Bouchard (M2), Clément Roman (M1), Anthony Louro (M1) et Anaïs Larue (M1)
Le 21 novembre dernier s’ouvrait le colloque « Espace-temps de la fiction », organisé par Mélanie Joseph-Vilain et Shannon Wells-Lassagne, responsables respectives des équipes Individu et Nation et Image et Critique. Ce colloque s’est tenu sur deux journées, le jeudi 21 et le vendredi 22 novembre, et a accueilli des intervenants de la France métropolitaine jusqu’au Canada. Ce colloque consacré à l’espace-temps de la fiction aborde un sujet qui ne cesse de fasciner et d’interroger. Si le temps semble souvent nous échapper et l’espace nous encadrer, la fiction a cette capacité unique de les remodeler, de les étirer, de les briser, ou même de les abolir. Elle ouvre des portes vers des mondes où un instant peut contenir une éternité, et où les frontières de l’espace deviennent poreuses, propices à l’imaginaire.
Atelier 1 : La série et l’espace-temps
Le premier atelier de cette manifestation présidé par Audrey Haensler et intitulé « La série et l’espace-temps » s’est concentré sur l’exploration des notions de temps et d’espace dans des récits fictionnels et télévisuels. Les interventions s’inscrivant dans cet atelier ont toutes contribué à apporter un éclairage unique sur la série télévisée comme médium pour explorer les dimensions de l’espace et du temps, conjuguant narration sérielle et temporalité éclatée. Par sa structure en épisodes et en saisons, elle impose un rythme singulier à l’histoire, où le temps peut s’étirer sur plusieurs années ou se condenser en quelques secondes.
Elaine Després (Université du Québec à Montréal) a ouvert cet atelier avec sa présentation « Tulsa, 1921 et autres destinations voyages : S’orienter vers l’histoire du racisme américain ». À travers l’étude des séries Watchmen, Lovecraft Country et Kindred, la chercheuse a proposé d’illustrer la façon dont le racisme aux États-Unis, loin d’être un phénomène du passé, se déploie à travers les âges et les espaces. Ces récits montrent notamment que l’histoire du racisme est un héritage se transmettant à la fois dans le corps, la mémoire collective et dans l’infrastructure même de la société. À travers le voyage dans le temps et l’exploration de l’espace, ces séries offrent une vision d’un racisme systémique où le corps racisé est à la fois victime et témoin de cette violence qui se perpétue.
Florent Favard (Université de Nancy) s’est ensuite proposé de traiter l’espace-temps narratif de la franchise Star-Trek. Celle-ci, se caractérisant par une approche complexe et multiple, combine les principes du pointillisme, des volumes multi-connexes et de la poétique de l’impasse afin de créer un univers dynamique et en constante évolution. En traitant des relations entre les différents espaces et temporalités, et en confrontant les personnages à des paradoxes, la franchise parvient à offrir une réflexion sur les limites de la connaissance humaine et sur les possibilités infinies du cosmos. Florent Favard a insisté sur la notion de multiconnectivité des espaces avec, par exemple, la récurrence de certains décors qui se réinventent à chaque apparition avec de nouvelles significations pour devenir un outil narratif symbolique et familier. La durée de la franchise Star Trek sert comme moyen d’éviter la fin de celle-ci pour appuyer sur son imminence et ainsi expliquer que les soucis actuels du monde sont une “impasse qu’il faut passer”. La franchise s’étale sur plusieurs décennies et alimente donc les questions sociétales qui correspondent à la période de diffusion des différentes séries. Ainsi, Star-Trek apparaît non pas seulement comme un voyage à travers l’espace, mais comme une exploration narrative de l’inconnu, de l’impossible et de l’interconnexion des mondes.
Par la suite, Louis-Paul Willis (UQAT) a ouvert une discussion sur « Le lieu du “nostos” : réflexions sur la nostalgie et l’espace ». Cette notion, évoquant le désir de retour chez soi (souvent lié à un passé idéalisé) est au cœur de nombreuses réflexions culturelles contemporaines. Dans la culture de l’écran, le lieu du « nostos » devient donc un lieu de projection émotionnelle et idéologique, où les objets et les espaces passés sont réinvestis d’une nouvelle signification. La rétromanie et la projection nostalgique jouent un rôle crucial dans cette dynamique, en transformant les lieux du passé en refuges symboliques. Dans des films comme Back to the Future ou Interstellar, le passé devient par exemple un espace à la fois réel et idéalisé, une passerelle entre l’humain et l’universel, où le temps et l’espace se mêlent pour offrir à la fois un retour vers ce qui a été perdu et une exploration de ce qui pourrait être reconquis.
Marine Galiné (Université de Reims Champagne-Ardenne) poursuit cette réflexion sur le temps et l’espace à travers le cas particulier de la série de Mike Flanagan, The Haunting of Hill House. Dans cette série, d’abord profondément gothique par son réinvestissement des leitmotivs classiques gothiques (la demeure anthropomorphique, la toxicité de la moisissure et son caractère préternaturel, l’origine des puissances naturelles), la temporalité et l’espace s’entrelacent pour créer une expérience narrative profondément immersive et perturbante. Inspirée du roman de Shirley Jackson, la série joue avec une dislocation temporelle marquée par des allers-retours constants entre le passé et le présent, révélant progressivement les traumatismes des personnages et les secrets de la maison hantée : la maison devient alors un lieu palimpseste, superposant des strates de souvenirs. Ce découpage non-linéaire fracture la perception du temps, reflétant l’impact psychologique des événements sur les protagonistes. Les anachronismes servent à la fois de principe narratif saillant et de principe esthétique majeur dans la série. Le temps n’est plus une ligne droite, mais un réseau complexe où le passé et le présent coexistent et s’influencent mutuellement.
Pour conclure ce premier atelier, Manon Lefebvre (Université Polytechnique des Hauts-de-France) s’est proposée de traiter de la télévision d’enfermement et des enfermements scénaristiques à travers l’exemple de la série Quantico (2015). La présentation abordait la série par le prisme d’une comparaison avec la télé réalité, désignée comme télévision d’enfermement. Des thématiques récurrentes de ce type d’émissions sont réutilisées dans la série, notamment la promiscuité entre des gens aux physiques avantageux ou encore l’élimination de personnages épisode après épisode. Quantico rentre donc parfaitement dans ces codes, suivant le modèle d’enfermement scénaristique et d’espaces diégétiques influençant l’espace narratif. La série utilise la notion d’enfermement, à la fois physique et narratif, comme moteur central de sa tension dramatique. Structurée autour de flashbacks et de complots multiples, elle enferme ses personnages dans des situations de crise constantes et répétitives. Cet enfermement se manifeste spatialement, dans des lieux restreints et hautement contrôlés comme les salles d’entraînement ou les bunkers. Manon Lefebvre établit une comparaison entre Quantico et la téléréalité dite d’enfermement: des scènes intimes, telles que le brossage de dents dans les dortoirs, renforcent le sentiment de confinement et contribuent à l’effet de voyeurisme auprès des téléspectateurs que l’on retrouve dans ce genre de télé-réalité. Narrativement, Quantico opère un double enfermement scénaristique. Le premier réside dans sa construction en énigmes imbriquées, avec une narration fragmentée et non-linéaire (flashbacks, flashforwards) emprisonnant le spectateur dans un labyrinthe temporel, où chaque nouvelle révélation remet en question les événements précédents. Le second enfermement concerne les personnages eux-mêmes : pris au piège de secrets, de trahisons et de manipulations, ils sont constamment mis à l’épreuve, incapables de se libérer de leur passé ou de leurs choix. Manon Lefebvre traite également de la réception de Quantico et de son échec commercial à travers une étude comparative avec une autre série télévisée diffusée sur la même chaîne, How to Get Away with Murder, qui a été un grand succès malgré une structure similaire à Quantico, puisque celle-ci a réussi à s’émanciper du modèle d’enfermement.
Ces différentes interventions ont montré l’importance de la manière dont les récits gèrent le temps et l’espace dans la réception des histoires par les lecteurs et téléspectateurs.
Atelier 2 : L’espace palimpseste
Cet atelier, présidé par Mélanie Joseph-Vilain, fut consacré à la notion d’espace palimpseste. Le terme, emprunté à la pratique médiévale de réécrire sur des parchemins déjà utilisés, évoque des espaces où les strates du passé se superposent et coexistent avec le présent. Il s’agit donc d’une manière de penser l’espace comme un texte vivant, fait de traces, d’effacements et de réécritures.
L’atelier s’est ouvert sur l’intervention de Jean-François Chassay : « Entrelacement des espaces dans Stella Maris et Le passager de Cormac McCarthy ». Dans ces deux romans, l’entrelacement des espaces reflète une tension constante entre le tangible et l’intangible, le réel et l’imaginaire. Ces deux œuvres, profondément imbriquées, explorent des lieux physiques, tels que les paysages du sud des États-Unis ou encore les hôpitaux psychiatriques, mais les transcendent en les mêlant à des espaces mentaux, émotionnels et philosophiques. Dans Stella Maris, l’espace de la clinique devient un lieu où les frontières entre le corps et l’esprit, entre la science et la métaphysique, s’effacent. Stella Maris introduit une parenthèse temporelle qui complexifie le roman précédent à travers le dialogue entre une jeune mathématicienne et son psychiatre. La protagoniste appartient à trois états superposés : entre la réalité historique, les mathématiques et ses expériences de vie, l’espace-temps se confond dans ses propos. Par exemple, sa culpabilité et son rapport à la mort sont exprimés à travers les mathématiques. Le Passager, lui, juxtapose les étendues naturelles avec des espaces de confinement intérieur, où les dialogues intérieurs et les souvenirs hantent le protagoniste. Ces espaces ne sont jamais fixes : ils se contaminent et se fragmentent, à l’image des thèmes de perte, de mémoire et de quête de sens. Dans ses récits, McCarthy superpose le physique, les mathématiques et le spirituel, les utilisant ainsi à la manière des palimpsestes.
Yves Davo (Université de Bordeaux) a ensuite abordé la question de la poétique de l’espace New-Yorkais à travers les temps passé, présent, futur dans Specimen Days de Michael Cunningham. Le roman interroge l’essence même de la ville comme lieu de transformation et de mémoire. Il décrit Manhattan sur plusieurs centaines d’années à travers trois histoires à partir d’un seul lieu. Les trois récits donnent un caractère historique à ce roman social qui se subdivise en trois genres: l’histoire de fantômes, le polar et la fable futuriste. Le travail de Cunningham se distingue par sa représentation du temps chaotique entre passé, présent et futur autour d’un lieu unique dystopique à fuir. Les récits sont enchâssés dans cette présentation d’une poétique de l’entropie américaine, alliant mémoire, écriture de la nature et récit de voyage. Le roman met en scène trois personnages archétypaux (une femme, un homme et un enfant) dont les identités et incarnations changent à chaque temporalité : cela permet à Cunningham de mieux représenter le chaos du temps, d’explorer les thèmes de la mémoire et de la perte, mais également d’interroger la diversité de l’expérience urbaine new-yorkaise. Dans le New York industriel du XIXe siècle, l’espace est imprégné de l’ardeur du progrès et des injustices sociales. Le New York contemporain, en revanche, est un paysage de perte et de résilience, marqué par le vide laissé par la violence historique et par la quête d’une humanité dans un monde fragmenté. Enfin, dans un futur dystopique, la ville devient un espace hybride, où la technologie et la nature s’entrelacent, et où la présence humaine vacille face à des bouleversements écologiques et identitaires. Ainsi, à travers ces trois temporalités, New York semble apparaître comme un palimpseste vivant, un espace qui se réinvente sans cesse tout en portant les traces des histoires collectives et individuelles, la ville devenant une métaphore du passage du temps.
Ces deux interventions mettent en avant la manière dont les récits contemporains entremêlent des dimensions spatiales et temporelles pour questionner la réalité. Ces œuvres révèlent la manière dont les lieux portent les traces du passé tout en se réinventant sans cesse.
La première journée s’est clôturée par la diffusion du film Dark City, réalisé par Alex Proyas.
Atelier 3 : Paysages de l’espace-temps
Le vendredi 22 novembre 2024 se poursuivait le colloque : Espace-temps de la fiction avec un troisième atelier portant sur les paysages de l’espace-temps et présidé par Arnaud Regnauld.
Dans un premier temps, Sylvie Bauer (Université de Rennes 2) a abordé la thématique des collisions spatio-temporelles dans 10.04 de Ben Lerner dans sa présentation : « A would be Withman of the vulnerable grid ». Ces collisions, qui renvoient à des moments où les dimensions de l’espace et du temps s’entrecroisent ou se chevauchent, sont centrales à la structure narrative et au propos du livre. Le récit est en effet construit comme un collage d’épisodes disjoints, entrelacés par les réflexions du narrateur (un écrivain fictif, fondé sur Lerner lui-même). De plus, les multiples références aux catastrophes naturelles (ouragans Irene et Sandy) soulignent une vision cyclique du temps. Néanmoins, Lerner utilise également des lieux spécifiques qui deviennent des points de convergence pour différentes temporalités, participant à son exploration temporelle. La métatextualité du roman (le titre faisant écho à un moment suspendu dans le film Back to the Future) constitue un clin d’œil à la manipulation narrative du temps.
Hélène Machinal (Université de Rennes 2) a ensuite traité des espaces-temps dans l’œuvre Sea of Tranquility d’Emily St.John Mandel, en adoptant une posture relativement critique à l’égard de l’œuvre. Le récit s’articule autour d’un principe de palindrome, conçu comme un écho symétrique reliant différents moments et lieux et explorant la nature du temps et de ses interconnexions. Le roman navigue en effet entre plusieurs époques et lieux qui semblent au premier abord disparates mais sont liés par une anomalie commune : un phénomène sonore et visuel récurrent qui devient un point de jonction. La symétrie narrative du roman questionne également la linéarité du temps et explore un modèle où toutes les époques coexistent en résonance.
La communication d’Hortense Boulais-Ifrene, (Université de Paris 8), introduit la question des ruines à travers les mondes persistants. Les mondes virtuels, qui existent depuis les années 1980, reflètent le monde réel et évoluent en permanence, avec ou sans les joueurs. Hortense Boulais-Ifrene se concentrait dans sa communication sur ces mondes anciens et inhabités, laissés pour ruines. L’époque contemporaine semblerait ne pas laisser de ruines, et Hortense Boulais-Ifrene s’interroge sur un potentiel lien entre la disparition de ces ruines et celle de l’imaginaire. Effectivement, l’existence des mondes persistants semble révéler une nouveauté de notre époque : les ruines ne sont plus physiques, mais numériques, et à travers notre expérience de ces mondes inactifs, nous expérimentons les ruines. Hortense Boulais-Ifrene conclut sa communication en évoquant la question de la conservation de ces mondes persistants : faut-il les garder en mémoire ?
L’étude des paysages de l’espace-temps s’est poursuivie par la présentation d’Anne-Sophie Letessier (Université Jean Monnet-Saint Etienne) : « In the midst of a ruin » : remembering and archiving in Christine Lai’s Landscapes (2023) ». La présentation explorait les thèmes de l’art, de la mémoire et de la représentation, situant ces réflexions dans un contexte dystopique où la civilisation est en déclin. Le rôle de l’art est interrogé, en tant que moyen de préserver et de reconstruire non seulement les paysages physiques, mais aussi les paysages émotionnels et culturels. Dans le roman Landscapes, la mémoire du lieu joue un rôle central, tissant une réflexion sur la façon dont les espaces portent les traces du passé, à la fois visibles et invisibles. Situé dans une demeure en déclin, au sein d’un monde post-apocalyptique marqué par des pertes irréparables, le roman explore la façon dont les lieux deviennent des archives vivantes, où les souvenirs, les émotions et les récits s’inscrivent dans les murs, les objets et les paysages environnants. À travers le regard de sa protagoniste, archiviste et témoin du passage du temps, l’auteure montre que chaque lieu est un palimpseste, un espace où cohabitent les échos des vies passées et les transformations du présent. La maison elle-même devient un personnage, un sanctuaire de mémoire menacé par l’effacement, illustrant la fragilité des liens entre les êtres humains, leur histoire et leur environnement.
Conférence plénière: Bertrand Gervais, “L’idiotie architecturée: formes aliénées de pensée dans les Workplace Dystopias”
Pour conclure le troisième et avant-dernier atelier du colloque, Bertrand Gervais a évoqué, pendant une conférence plénière présidée par Hélène Machinal, le sujet des ‘Workplace Dystopias’, les dystopies de bureau, des lieux de travail qui, sous l’action capitaliste de l’entreprise, deviennent de vraies dystopies. Son étude s’est focalisée sur quatre œuvres de fiction, de différents genres, époques, formats. En effet, pour étudier le cas des dystopies de bureau, Bertrand Gervais s’est penché sur les cas de Severance (Dan Erickson, 2022), The Matrix (Lana & Lilly Wachowski, 1999), Playtime (Jacques Tati, 1967) et enfin Bartleby (Herman Melville, 1853). Ces quatre œuvres explorent toutes l’idée du lieu de travail comme un lieu oppressant et dystopique. Ainsi, la communication de Bertrand Gervais visait à relever les points communs, les distinctions, et les modes de fonctionnement de ces différentes dystopies de bureau, tout en les lisant à travers l’axe de l’idiotie architecturée, où tous les employés de ces différents bureaux sont rendus “idiots”.
La première partie de son analyse, consacrée à la forme subtile de l’idiotie que les œuvres explorent, examinait différents éléments de ces dystopies de bureau, tels que la place de la dystopie, la responsabilité de l’employé dans la création de cette dystopie, comme dans Bartleby par exemple, mais également le mode d’expérience de la dystopie de bureau, en contrastant l’expérience de l’intérieur et de l’extérieur (en comparant Playtime et les autres œuvres). Dans cette première partie d’analyse, Bertrand Gervais poursuit l’exploration de ces lieux à travers leur échelle : dans The Matrix, où les bureaux et le monde que l’on connaît cachent un univers en guerre où les humains servent de source d’énergie à des machines, la dystopie de bureau est placée à une échelle considérable, bien différente des dystopies de bureau des autres œuvres. Enfin, Bertrand Gervais conclut cette première partie en évoquant la question de la scission dystopique telle qu’elle est présente dans Severance, où les personnages ont deux consciences qui n’interagissent pas, l’une étant “l’outie”, l’autre étant “l’innie”. Dans ce monde dystopique où les deux consciences de l’individu ne peuvent interagir, les employés de Severance sont condamnés à rester dans leur dystopie-bureau, puisque même la mort (en témoigne la tentative – ratée – de suicide d’Ellie) ne peut les libérer.
Dans la seconde partie de sa conférence, Bertrand Gervais explore la question de la banalisation du mal dans un espace où les employés sont susceptibles de subir les pires manipulations. Il étudie d’abord la question de l’anonymat et évoque, pour qualifier les employés de ces dystopies de bureau, la notion d’“armée d’anonymes”. L’anonymat est aussi lié à la question de l’idiotie, et dans cette armée d’aveugles, Bertrand Gervais voit des figures idiotes, car la mémoire et l’oubli aliènent les personnages. Il utilise l’exemple de The Matrix et de Severance pour explorer la dimension aliénante de l’anonymat et de l’oubli.
Ensuite, l’aspect aliénant du lieu de travail “idiotisant” a été explorée. Le labyrinthe du bureau, présent dans les quatre œuvres, favorise la perte des repères et permet de créer le parfait “idiot”: l’employé qui obéit aveuglement à son supérieur, et qui accepte son sort dans la dystopie. Les labyrinthes qui figurent dans les œuvres étudiées ont tous la même fonction : aliéner les personnages. Dans Severance et Playtime, le labyrinthe est un bureau presque sans fin, où les personnages s’égarent, à défaut de s’en échapper ou d’y entrer. Dans The Matrix, le labyrinthe prend la forme d’un mouvement constant et inarrêtable, que les personnages ne peuvent qu’emprunter comme un train en marche. Enfin, dans Bartleby, c’est l’immobilisation du personnage et son déplacement dans une prison qui l’aliène. Bertrand Gervais a ensuite développé l’idée des gestes désémiotisés, qui vient sublimer l’idiotie des employés. Les actions des personnages n’ont aucun sens, et ces derniers refusent de leur donner du sens (comme Bartleby qui répond “I would prefer not to”), ou en sont incapables (comme les raffineurs de Severance). Ainsi, leurs gestes n’ont aucun sens, et les employés du bureau des raffineurs n’ont aucune idée de l’utilité de leur travail. Il explique que dans Severance, les personnages rangent des nombres dans des catégories qui correspondent aux quatre tempéraments, qui, d’après ce que les employés ont appris, ont été découverts par le chef d’entreprise. Cette gloire donnée au fondateur est de même que l’idiotie des personnages, nécessaire au système dystopique, qui semble refléter les systèmes autoritaires fascistes, puisque Bertrand Gervais va jusqu’à comparer l’entreprise de Severance au régime fasciste de Mussolini.
Bertrand Gervais conclut donc que la dystopie requiert l’idiotie de ses sujets: “l’idiot est incapable de vivre dans une communauté”. Il manque à l’idiot quelque chose qui le fait appartenir, et cela l’empêche de se constituer en groupe. Ces dystopies fonctionnent de différentes manières, et Bertrand Gervais classifie différentes dystopies à portée hégémonique en quatre sous-catégories: celles qui fonctionnent par morcellement du temps (favorisant la désorientation) ; celles qui procèdent à un morcellement de l’espace, rendant les déplacements difficiles ; celles qui opèrent par morcellement des sphères d’activité, “où la vie et le travail vont jusqu’à s’exclure mutuellement” ; et celles qui fonctionnent par morcellement du sensible, où les perceptions sont brouillées, et où le réel et le virtuel se confondent. Il évoque enfin l’économie de l’information, et explique que dans les dystopies, l’industrie de la surveillance et du contrôle sont primordiales pour le régime dystopique. Finalement, Bertrand Gervais explique que les dystopies de bureau ne sont pas sans issues, mais que la destruction de la dystopie doit nécessairement se faire par les “idiots”.
Atelier 4 : Espace-temps filmique et télévisuel
Le quatrième et dernier atelier du colloque, présidé par Shannon Wells-Lassagne, était consacré à la question de l’espace-temps filmique et télévisuel. Les interventions de cet atelier ont tenté d’explorer l’espace-temps et ses manipulations à l’écran, entre stagnation, dérèglement, et saturation.
La communication de Gaïd Girard (Université de Bretagne Occidentale) était consacrée au dérèglement de l’espace-temps dans Tenet (Christopher Nolan). Comme les autres films de Christopher Nolan, Tenet joue avec le temps. Mais contrairement à ses autres films, Tenet vient presque détruire sa propre chronologie. Gaïd Girard rappelle que le film a eu bien des interprétations, dont le choix de rester dans l’ignorance et la confusion face à la chronologie du film. La structure en palindrome de Tenet joue de cette confusion, lorsqu’on revoit des scènes d’un autre point de vue, la boucle temporelle du film vient donc se replier en son milieu. Elle explique sa propre interprétation du film, qui est celle de raviver l’intérêt pour les cinémas à la sortie de la pandémie, dans une œuvre qui vient s’ancrer dans les origines mêmes du cinéma, le spectacle. Les personnages du film suivent la tradition cinématographique la plus ancienne puisqu’ils sont unidimensionnels et sans profondeur psychologique. Ainsi, les personnages ne sont que des supports d’action. Les dialogues à peine audibles, la chronologie désordonnée du film et ses nombreuses références mystérieuses au carré Sator viennent rappeler aux spectateurs que le cinéma, plutôt que de suivre une narration claire, est un spectacle.
L’étude de l’espace-temps filmique et télévisuel s’est poursuivie par la présentation de Joséphine Grébaut (Université Paris Nanterre), « Le palimpseste de Los Angeles : Saturation spatio-temporelle dans les films contemporains sur l’Usine à Rêves », à travers l’étude du film Maps to the Stars de David Cronenberg. La saturation spatio-temporelle s’inscrit véritablement au cœur de la narration de ce film et s’exprime à travers des motifs récurrents comme l’impasse, les fantômes et un espace-temps autophage. Ces éléments soulignent la déliquescence des personnages et du monde hollywoodien dans lequel ils évoluent, créant une vision oppressante d’un espace saturé par le poids du passé, de la célébrité et des illusions brisées. Cette saturation, à la fois spatiale et temporelle, annihile tout espoir de rédemption ou de renouveau, laissant les personnages sombrer dans un vide inéluctable. La représentation de l’impossibilité à se renouveler dévore l’œuvre elle-même qui n’arrive pas à se libérer de ces impasses et de cette saturation : c’est en raison de cette obsession du creux et d’un écrasement inéluctable que le film n’a pas réussi à trouver son public et a rencontré un succès relativement limité.
La communication de Marjolaine Boutet, professeure à l’Université de Paris Nord, était consacrée à la notion de temps arrêté, de l’espace immuable, et de strates mémorielles dans la sitcom Hogan’s Heroes. Cette communication, qui venait conclure le colloque, explore dans un premier temps l’espace immuable de la sitcom. La comédie d’enfermement Hogan’s Heroes était “un projet de sitcom carcéral”, qui suit les aventures de prisonniers de guerre, qui, plutôt que de s’évader, restent dans le stalag pour faire s’échapper les autres prisonniers. En cela, l’espace de la sitcom est immuable : le camp, quand il est détruit, est toujours reconstruit à l’identique dans l’épisode qui suit, et la neige partiellement fondue est toujours présente. La structure narrative est également assez close et répétitive : il se passe à la fois tout et rien. Ainsi, dans la sitcom, le temps est arrêté : le pilote indique l’année 1942, mais au cours de la série, plusieurs événements sont mentionnés (notamment le complot contre Hitler de juillet 1944) de manière anachronique. Il n’y a aucun respect des événements historiques, et la guerre ne se termine jamais, malgré le fait que chaque épisode présente son scénario comme déterminant pour la victoire des Alliés. Enfin, Marjolaine Boutet conclut sa communication en explorant l’aspect cathartique de la série. La Shoah est “un fantôme qui hante Hogan’s Heroes sans jamais se montrer.” La série inclut des acteurs pour la plupart immigrés, juifs, qui ont fui le régime nazi. Ainsi, Marjolaine Boutet explique que d’une certaine manière, Hogan’s Heroes, en se moquant des Nazis et en les tournant au ridicule, rend le souvenir de la Seconde Guerre mondiale plus facile à supporter.
Le colloque Espace-temps de la fiction a permis d’explorer la manière dont la fiction manipule et transforme l’espace et le temps, tant dans la littérature que dans le cinéma et la télévision.
Le premier atelier a permis d’étudier comment les séries télévisées manipulent l’espace et le temps pour enrichir leurs récits. Les interventions ont mis en lumière la capacité des séries à jouer avec la temporalité, qu’il s’agisse de voyages dans le temps ou de réflexions sur la mémoire et la nostalgie. De Watchmen à Quantico en passant par Star Trek ou The Haunting of Hill House, chaque intervention a révélé comment les récits fictionnels et télévisuels exploitent les contraintes spatiales et temporelles pour nourrir les intrigues.
Le deuxième atelier, consacré à la notion d’espace palimpseste, a exploré la manière dont les récits contemporains superposent et réécrivent les espaces. Les œuvres de Cormac McCarthy et de Michael Cunningham transforment de simples lieux géographiques en de véritables lieux de mémoire et de réinvention. L’espace, loin d’être un cadre figé, devient dynamique et chargé de significations. Ces œuvres, qu’elles soient littéraires ou cinématographiques, montrent comment les espaces ne cessent de se reconfigurer, portant en eux les traces du passé tout en projetant l’avenir.
Le troisième atelier a introduit les paysages spatio-temporels à travers diverses œuvres, mettant en lumière les collisions temporelles, les mondes persistants et les ruines physiques et numériques. Les interventions ont montré comment ces récits manipulent l’espace et le temps pour interroger la mémoire et le passé. De plus, lors de sa conférence plénière de sur les Workplace Dystopias, Bertrand Gervais s’est servi d’œuvres telles que Severance et The Matrix pour mettre en évidence l’aliénation des personnages dans des lieux de travail oppressifs.
Le quatrième et dernier atelier du colloque a examiné les manipulations de l’espace-temps dans le cinéma et la télévision. Les différentes interventions ont mis en lumière des œuvres qui déconstruisent la temporalité et créent des atmosphères saturées, déréglées ou figées. Des œuvres comme Tenet ou Maps to the Stars utilisent ces concepts pour perturber la perception du spectateur. En contraste, la sitcom Hogan’s Heroes a illustré un espace-temps figé, où la répétition et la satire permettent de traiter des sujets lourds avec légèreté.
Rédigé par Emma Bert et Clémence Bouchard (M2 REVI)
Le vendredi 15 novembre se tenait la première séance de la série de séminaires interdisciplinaires « Questions de Méthodes » de l’équipe Individu et Nation, intitulée « “L’armée s’en accommode” : masculinisées nazies et itinéraire d’un homme gay dans la Wehrmacht (1939-1944) ». La présentation dispensée par Patrick Farges, Professeur en histoire de l’Allemagne et du genre à l’Université Paris Cité / ICT (Identités, Cultures, Territoires – Les Europes dans le monde UR 337), a été suivie d’une discussion animée par Odile Roynette, Professeure en Histoire contemporaine à l’Université de Bourgogne / LIR3S (Laboratoire Interdisciplinaire de Recherche Sociétés, Sensibilités, Soin UMR 7366).
Cette présentation s’est tout d’abord ouverte sur un rapide point sémantique visant à préciser la révision du terme homosexuel, initialement utilisé dans le titre, en faveur du terme « gay », afin de mieux adhérer aux propos d’Albrecht Becker, icône de la communauté gay de Hambourg, sur lequel porte cette présentation.
Un point méthodologique a ensuite été établi, couplé à un rapide état de l’art ayant permis de resituer la présentation dans une actualité de la recherche du genre, en particulier du masculin, à travers différentes références universitaires (Le Muscle et l’Esprit, Patrick Farges, 2020 / Amour, Mariage, Sexualité, Elissa Mailänder, 2021).
Cette présentation se veut donc une analyse de réceptions croisées, ayant pour objectif un élargissement du propos traitant des masculinités sous le nazisme, notamment à travers différentes temporalités et différentes aires culturelles (germanophone, anglophone, francophone), permettant de ce fait la mise en exergue d’un système de références ne circulant pas de la même manière entre la France et l’Allemagne. L’ambition de cette présentation tout comme celle de l’ouvrage universitaire sur lequel elle est basée (Marcher au pas et trébucher, Masculinités allemandes à l’épreuve de la guerre et du nazisme, P. Farges et E. Mailänder, 2022) est donc double : elle se veut à la fois une histoire intégrée prenant en compte la diversité des productions à travers les axes du genre, du social et de la race au régime nazi (que devient une identité de genre majoritaire dans une société qui a changé les ordres intersectionnels ?) mais elle témoigne également d’une volonté de traduction vers le français d’articles parus dans des contextes universitaires anglophones et germanophones depuis les années 1990.
Le chapitre 2 de Marcher au pas
La spécificité de la dictature nazie repose sur la création d’une communauté raciale aryenne, articulée autour deux axes. Tout d’abord, un critère racial clair : l’appartenance à la majorité aryenne se définit selon des principes raciaux stricts . Ensuite, une norme hétérosexuelle stricte : cela se manifeste par la persécution des Juifs et par le renforcement de l’article 175, qui criminalise les relations entre personnes de même sexe .
Puisque les sources nazies ont déjà été largement étudiées, par des historiens comme Johann Chapoutot par exemple, la méthode privilégiée a été l’étude de sources moins utilisées afin d’adopter une perspective fondée sur l’histoire du quotidien, ou la micro-histoire, faisant ainsi émerger trois configurations conceptuelles : Tout d’abord, le sentiment d’« entitlement », qui vient de l’analyse féministe (les hommes aryens exprimaient un sentiment d’autorisation implicite à agir, tandis que les femmes aryennes, dans un cadre idéologique spécifique, voyaient leurs capacités d’action renforcées). Ensuite, le « passing » (terme qui vient à la fois des études queer, mais aussi présent aux Etats-Unis et en Afrique du Sud dans un contexte de ségrégation raciale) catégorie s’appliquant autant aux victimes qu’aux bourreaux dans le contexte du régime nazis : Juifs et soldats SS. Le passing devient ainsi un ressort essentiel pour comprendre l’exercice des identités masculines dans l’Allemagne nazie. Il révèle comment la violence et le genre s’entretiennent mutuellement : le besoin de prouver sa dureté en reproduisant la violence structurelle renforce cette dynamique où le genre devient à la fois le moteur et le produit de la violence.
De plus, dans ce contexte, la masculinité ne se limite pas à un rôle assigné mais devient un instrument de légitimation et de perpétuation de la violence. La quête d’une identité masculine virile, dans un régime fondé sur l’exclusion et la domination, participe à une dynamique cyclique où la violence façonne les rôles de genre, et les rôles de genre nourrissent la violence.
Ainsi, l’étude des masculinités nazies révèle un croisement entre idéologies raciales, prescriptions de genre et mécanismes de pouvoir, offrant un éclairage critique sur les dynamiques sociales et politiques du régime.
La présentation s’est poursuivie par une étude de cas : L’itinéraire et les archives d’Albrecht Becker, figure centrale de la communauté LGBT berlinoise des années 1980-1990, qui fut à la fois une personnalité marquante de l’industrie du spectacle en République fédérale d’Allemagne (RFA) et un pionnier de la cause homosexuelle. Son parcours est complexe, entre engagement et répression : arrêté et emprisonné trois ans après la découverte de photographies d’hommes nus chez lui, il a néanmoins poursuivi son parcours dans une société souvent hostile à son orientation sexuelle. En 1940, alors qu’il avait été exempté à cause de son âge, il se porte volontaire pour servir la Wehrmacht. Il devient radiotélégraphiste dans un bataillon de pionniers servant à la logistique du front en 1941.
Patrick Farges s’est ensuite attelé à l’étude du Soldatenalbum, un document clé, dont il a montré des extraits. Cet album de 25 feuillets est composé de petites photos en format 6×9, en noir et blanc à bords crénelés, dont la chronologie s’efface plus on avance dans l’album. Les photographies ont été prises par Becker à l’aide d’un appareil Leica (modèle très en vogue à l’époque), dont a découlé la “culture Leica”, omniprésente à cette époque. Cette culture reflète les encouragements de l’armée nazie à documenter la guerre, tout en dévoilant une dimension personnelle et affective. Ces images oscillent entre documentation et exaltation des liens homosociaux, tout en témoignant d’une dynamique où l’affectivité nourrit une camaraderie virile, perçue comme un soutien face aux épreuves de la guerre. Les photographies témoignent d’un affect puissant, à la fois soutien moral et justification implicite de la violence. Cette camaraderie virile, compatible avec l’idéologie nazie, se projette dans l’imaginaire du Reich millénaire, servant à construire une mémoire anticipatoire et une forme d’héroïsme collectif. En ce sens, les archives de Becker ne se contentent pas de documenter la guerre ; elles offrent un regard sur les liens affectifs et idéologiques qui ont soutenu le projet nazi. Ainsi, l’œuvre photographique d’Albrecht Becker se situe au croisement d’une chronique personnelle, d’une mémoire collective du front, et d’un discours plus large sur les formes de sociabilité masculines dans un régime totalitaire.
Odile Roynette s’est ensuite proposé d’ajouter quelques éléments/ arguments afin d’enrichir cette présentation ayant exploré les interactions complexes entre masculinité, genre et guerre, en particulier dans le contexte des régimes militarisés et racialisés tels que le nazisme. La masculinité y est étroitement associée au modèle de l’Aryen hétérosexuel, incarnant un idéal militaro-viril qui rejette les individus considérés comme « anormaux » ou « parias ». Toutefois, cette vision tranchée masque des réalités bien plus mouvantes et ambiguës, où le « trouble dans le genre » brouille les frontières normatives. Les hommes et les femmes, même dans un contexte de guerre génocidaire, démontrent une « agency » qui complexifie les normes dominantes. De plus, la guerre agit souvent comme un accélérateur des dynamiques sociétales préexistantes. Par exemple, l’intégration temporaire des femmes ou l’engagement politique redéfinissent les rôles genrés, bien que ces transformations soient rapidement effacées après la fin des conflits, rétablissant un « ordre genré » plus traditionnel. La camaraderie virile, particulièrement valorisée dans l’idéologie nazie, offrait aux combattants un espace d’appartenance qui pouvait parfois primer sur le rejet officiel de l’homosexualité. Ce contraste est frappant avec la persécution sévère des civils allemands homosexuels à la même époque. L’étude de certains cas particuliers, comme celui de Becker, suggère que l’enrôlement militaire pouvait servir de couverture pour plus de libertés sexuelles, malgré les risques de transgressions disciplinaires. De plus, l’intégration de certains individus dans la Wehrmacht semble avoir été envisagée comme une forme de rééducation sociale. Odile Roynette a aussi soulevé la question de la portée des photographies de Becker, puisque certaines scènes de destruction matérielles ont été photographiées, mais jamais de dépouilles : seuls les vivants sont photographiés. Le but de ces photographies est-il alors de faire une apologie de la guerre ? Un simple enregistrement ? Les deux à la fois ? Ou simplement une manière de dire des choses qui ne peuvent être dites autrement ? La photographie devient alors une arme pour rendre supportable ce qui se déroule.
En somme, le lien entre guerre et genre se révèle fluctuant, exposant à la fois les continuités idéologiques et les fissures au sein des normes imposées.
En fin de séance, Patrick Farges a soulevé la probabilité que Becker se soit engagé dans la Wehrmacht à des fins de réhabilitation, il a également exprimé l’éventualité que Becker soit resté un nazi jusqu’à sa mort en 2002. Odile Roynette a également appuyé cette idée de la réhabilitation d’un condamné par le combat.
L’équipe Individu & Nation s’associe à l’équipe Image & Critique pour l’organisation d’un colloque intitulé “Espace-temps de la fiction”, qui aura lieu les 21 et 22 novembre 2024 (organisation: Shannon Wells-Lassagne et Mélanie Joseph-Vilain)
Programme
Jeudi 21 novembre 2024
9h Accueil/café 9h30 Ouverture du colloque
Atelier 1 : La série et l’espace-temps (Audrey Haensler, présidente de séance) 9h45: Elaine Després, UQAM, “Tulsa, 1921 et autres destinations voyages : faire l’expérience et faire partie de l’Histoire afro-américaine” 10h10: Florent Favard, IECA Nancy, “L’espace-temps narratif de la franchise Star Trek” 10h35: Louis-Paul Willis, UQAT, “Le lieu du ‘nostos’: réflexions sur la nostalgie et l’espace” 11h: Questions
11h15-11h45 Pause
11h45: Marine Galiné, Université de Reims Champagne-Ardenne, “Dislocation and contraction of time and space in Mike Flanagan’s The Haunting of Hill House (2018)” 12h10: Manon Lefebvre, Université Poytechnique des Hauts de France, “Quantico (ABC, 2015-2018) : télévision d’enfermement, enfermements scénaristiques ?” 12h35: Questions
12h50-14h15 Repas
Atelier 2 : L’espace palimpseste (Mélanie Joseph-Vilain, présidente de séance) 14h15: Jean-François Chassay, UQAM, “Entrelacement des espaces dans Stella Maris et Le passager de Cormac McCarthy” 14h40: Yves Davo, Université de Bordeaux, “Specimen Days de Michael Cunningham : Poétique de l’espace new-yorkais à travers les temps passé, présent, futur” 15h05: Laure Lévêque, Université de Toulon, “L’Uchronie de Renouvier (1857, 1876), un chronotope impérial romain au service de l’idée républicaine française” 15h30 Questions
15h45-16h Pause
16h: Projection : Dark City (Alex Proyas, 1998)
Dîner 19h30 : Restaurant Dzenvies, 12, rue Odebert, 21000 Dijon (arrêt tram T1 ou T2 « Godran les Halles »)
Vendredi 22 novembre 2024
9h Accueil/café
Atelier 3 : Paysages de l’espace-temps (Arnaud Regnauld, président de séance) 9h15: Hélène Machinal, Université de Rennes 2, “‘I am the anomaly’, les espaces-temps de Sea of Tranquility d’Emily St. John Mandel” 9h40: Sylvie Bauer, Université de Rennes 2, “‘A would-be Whitman of the vulnerable grid’ : collisions spatio-temporelles dans 10:04 de Ben Lerner” 10h05: Hortense Boulais-Ifrene, Université de Paris 8, “Archéologie des mondes persistants : un renouveau radical de l’imaginaire des ruines” 10h30: Anne-Sophie Letessier, Université Jean Monnet-Saint Étienne, “‘In the midst of a ruin’: remembering and archiving in Christine Lai’s Landscapes (2023)” 10h55 Questions
11h10-11h40 Pause
11h40: Conférence plénière : Bertrand Gervais, “L’idiotie architecturée : formes aliénées de pensée dans les Workplace Dystopias” (Hélène Machinal, présidente de séance)
12h50-14h15 Repas
Atelier 4 : Espace-temps filmique et télévisuel (Shannon Wells-Lassagne, présidente de séance) 14h15: Gaïd Girard, Université de Bretagne Occidentale, “Jusqu’où dérègler l’espace-temps au cinéma ? L’exemple de Tenet (Christopher Nolan, 2020)” 14h40: Joséphine Grébaut, Université de Paris-Nanterre, “Le palimpseste de Los Angeles : Saturation spatio-temporelle dans les films contemporains sur l’Usine à Rêves” 15h05: Marjolaine Boutet, Université de Paris Nord, “Temps arrêté, espace immuable et strates mémorielles dans la sitcom Hogan’s Heroes (CBS, 1965-1971)” 15h30 Questions
Rédigé par Lisa Isler (M1), relu par Emma Bert et Lara Thierry (M2)
Le 24 mai 2024 s’est tenu le dernier séminaire interdisciplinaire Questions de Méthodes de l’équipe Individu et Nation pour l’année 2024-2025. Il portait sur l’identification et l’analyse des dispositifs émotionnels dans les discours extrémistes par le biais d’approches théoriques et méthodologiques.
Les intervenants, Alexandra Palau et Stéphane Revillet, ont présenté deux aspects différents de cette analyse en s’appuyant sur des exemples charnières de leurs recherches.
Tout d’abord, Alexandra Palau a abordé le sujet du parti d’extrême droite espagnol Vox, en commençant par une recontextualisation du parti et de sa percée, mettant l’accent sur le fait que désormais, l’extrême-droite est moins marginalisée sur l’échiquier politique qu’auparavant. Elle a poursuivi avec les définitions précises du discours extrémiste et des outils conceptuels utilisés dans ce dernier, notamment deux concepts essentiels: l’ultra droite néo-patriote visant à défendre le patriotisme et s’opposant à la société cosmopolite, ainsi qu’au “républicanisme civique démocratique”; le concept de l’extrême-droite 2.0, dont le but est de polariser la société et de se présenter comme une force rebelle face à la soi-disant dictature du progressisme et du politiquement correct. Un des outils majeurs employés est le recours aux émotions via une présence médiatique forte en créant du conflit et en répandant la haine, la colère, la peur et le ressentiment. Pour ce faire, le parti a recours à des hashtags pour relayer son contenu sur les réseaux sociaux, l’emploi de slogans courts et mémorables et d’une logique binaire ne laissant aucune place à la complexité ou à un argumentaire quelconque.
Ensuite, l’intervenante a décrit les approches méthodologiques en utilisant des exemples concrets, notamment l’analyse de la construction identitaire forgée par les émotions exprimées dans le discours du parti Vox. Les émotions positives telles que la fierté et le sentiment d’appartenance sont associées à l’Espagne rurale et agricole, aux traditions et au patriotisme, tandis que les émotions négatives comme la peur, la colère et l’indignation se tournent vers les idées féministes, le multiculturalisme et le mouvement indépendantiste catalan, qui est vu comme une trahison envers la nation. De plus, les médias et les contre-pouvoirs intellectuels sont aussi dénoncés comme les ennemis de l’Espagne par le parti. En outre, le mouvement populiste mené par Vox appelle davantage le peuple à s’unir et à œuvrer pour une Espagne fière et ancrée dans ses traditions.
En conclusion, Alexandra Palau a expliqué que le but premier du parti Vox est de mobiliser le peuple espagnol en clivant l’espace public et de susciter un activisme populaire « anti-système ».
La seconde intervention, effectuée par Stéphane Revillet, portait sur les ressorts du discours extrémiste à travers le cas de l’attaque verbale au sein des PMQs (Prime Minister Question Time) qui se tiennent chaque semaine au Parlement britannique.
L’objectif de l’intervention était de déterminer si les discours extrémistes étaient présents ou non dans les débats parlementaires, sous quelles formes, et dans quel but. De plus, l’intervenant cherchait à démontrer que l’attaque verbale est un dispositif émotionnel doté de mécanismes spécifiques et utilisé comme ressort du discours extrémiste.
L’introduction avait pour sujet les règles en vigueur au sein du Parlement concernant la façon de s’adresser au Premier Ministre et aux autres députés.
M. Revillet a également expliqué qu’aucun parti extrémiste n’était présent au Parlement, étant donné que seuls les deux principaux partis ont des élus à chaque fois : il n’y a donc pas de sièges pour les minorités moins modérées, comme le parti Républicain qui cherche à abolir la monarchie, par exemple. Malgré cela, et les règles de bonne conduite strictes en vigueur lors des PMQs, les débordements sont fréquents, notamment les outrages, les attaques verbales et diverses insultes.
Par la suite, Stéphane Revillet a présenté le cadre théorique de son analyse concernant les PMQs, en définissant plusieurs concepts, notamment le discours et le langage parlementaire, le discours extrémiste et l’attaque verbale. La notion d’extrême laisse supposer que les propos tenus sont plus violents, avec un degré d’intensité supérieur et un dépassement des normes sociales établies. Le but d’utiliser un tel langage est de choquer pour avoir un impact plus conséquent.
La seconde partie concerne l’application des concepts définis dans le cadre concret des PMQs, avec une vidéo comme exemple de sujet d’étude. En effet, il s’agit d’un espace culturel et social marqué, sachant qu’il suscite beaucoup d’intérêt chez la population qui suit l’évènement en direct à la télévision. De plus, c’est un cadre hautement conflictuel étant donné la disposition spatiale des acteurs ainsi que la nature et la fonction de l’exercice, favorisant un haut degré de polarisation. L’attaque verbale, sous forme d’accusations, de moqueries, d’allusions ou de sous-entendus est formellement interdite, si bien qu’elle est sanctionnée de manière à entraîner le retrait du propos. Or, il arrive que ces sanctions paraissent plutôt arbitraires. Ainsi, certains débordements sont sanctionnés alors que d’autres sont tolérés, ce qui mène à l’inadéquation entre les règles et la réalité des sanctions.
Enfin, Stéphane Revillet a terminé son propos par une analyse démontrant la normalisation des insultes et des attaques qui deviennent légitimes, peu soumises aux sanctions et mêmes attendues. En revanche, le pouvoir émotionnel des insultes se perd via un phénomène d’usure : la dimension théâtrale des PMQs engendre un besoin constant de renouvellement et de surenchère pour susciter toujours plus de réactions mais il s’agit d’un mécanisme éphémère qui peut vite se montrer redondant.
En somme, le discours pendant les PMQs s’apparente au discours extrémiste sans réellement s’inscrire dans cette catégorie car il reste dans la norme, toutefois il cherche les mêmes effets et bénéfices que le véritable discours extrémiste peut avoir, selon ses utilisations. L’un de ces bénéfices est représenté par le raccourci cognitif qui se fait par l’insulte, car il est plus facile de persuader en choquant plutôt qu’en s’expliquant avec des arguments faits pour convaincre l’interlocuteur. De plus, l’insulte vise à créer un ennemi, ce qui est une caractéristique du discours extrémiste, car le but de ce dernier est justement de polariser au maximum les espaces dans lesquels on en fait usage.
Rédigé par Lara Thierry (M2), relu par Laurine Blanchard (M2)
La séance de séminaire “Questions de méthode” du 2 mai 2024, modérée par David Bousquet, Mélanie Joseph-Vilain et Indiana Lods, envisageait de poser la question de la pertinence des études culturelles à l’ère actuelle et son application à différents champs théoriques et méthodologiques. Philipp Jonke a commencé par rappeler les enjeux liés aux études culturelles et les difficultés qui se posent pour les définir. Il a rappelé leur influence sur divers champs disciplinaires tout en remarquant que si beaucoup de publications empruntent leurs concepts, peu s’en revendiquent, même s’il y a eu des publications françaises importantes sur le sujet (Chalard-Fillaudeau 2015). Sandeep Bakshi, maître de conférences en études décoloniales, postcoloniales et queer à l’Université Paris Cité, envisageait d’étudier les études culturelles au prisme des champs théoriques dans lesquels il se spécialise. La seconde intervenante, Myriam Geiser, maîtresse de conférences à l’Université Grenoble Alpes et spécialiste des littératures postmigrantes allemandes et françaises, a ensuite abordé ces littératures au prisme d’une étude comparée et d’une contextualisation des tournants culturels.
La première présentation a mis en lumière les définitions et interrogations liées aux concepts de « queer » et les points communs de la théorie queer et de la théorie décoloniale. Se focalisant sur le rôle des rapports de pouvoir et l’hégémonie dans le partage du savoir, Sandeep Bakshi a mis l’accent sur les cadres épistémologiques alternatifs ouverts par ces champs théoriques. En évoquant leur critique commune des normes sociales, il a démontré qu’elles critiquent toutes les deux des effacements liés à des processus de marginalisation. Ainsi, Sandeep Bakshi a expliquéque la théorie décoloniale permettait, en critiquant la colonialité, de remettre en question les normes de genre et les intersections entre différentes inégalités. Pour approfondir sa vision de l’intersectionnalité, il s’est basé non seulement sur le travail de chercheurs comme Walter Mignolo ou Maria Lugones mais aussi sur des exemples concrets, comme celui de la critique du mouvement queer en Inde[1]. Il a démontré que les théories queer et décoloniale peuvent être rapprochées de politiques des droits et permettreune convergence de luttes sociales. Il a également soutenu que ce genre de théorie pouvait être rapproché de l’étude d’archives historiques et culturelles queer liées à des pratiques telles que la danse giddha en Inde.
La deuxième partie de la séance s’est concentrée sur les approches des littératures transculturelles en Allemagne et en France. Myriam Geiser s’est basée sur trois principales approches (interculturelle, transculturelle, et transaréale) tout en les expliquant à travers des exemples littéraires. L’intervenante a défini les littératures transculturelles avant de s’intéresser aux tournants conceptuels qui lui ont permis de développer son analyse.
Elle a démontré que ces littératures étaient souvent caractérisées par des formes de translinguisme et de fluidité culturelle en se basant sur le travail d’écrivaines comme Emine Özdamar. Ainsi, Myriam Geiser a montré en quoi le tournant interculturel avait caractérisé son approche des littératures de la migration. Se basant sur les travaux de chercheurs tels que Doris Bachmann-Medick et Homi Bhabha, elle a montré en quoi la théorie postcoloniale et le tournant translationnel permettaient d’enrichir les recherches sur les littératures liées à la migration. Elle a ainsi mis en avant l’importance de la traduction et du langage dans les expériences liées à la migration et aux échanges interculturels. La perspective transculturelle, en revanche, met l’accent sur les liens entre littérature, espace et mobilité dans un espace littéraire et social mondialisé. Cette notion de mouvement et de fluidité occupe une place centrale dans les littératures transculturelles ainsi que dans les études transaréales, où, comme Myriam Geiser l’a affirmé, les questions de circulation sont centrales.
Les deux interventions ont permis de mettre l’accent sur les différents champs théoriques liés aux études culturelles et sur la manière dont ils avaient été enrichis par des interventions d’horizons géographiques et disciplinaires différents. En montrantles inégalités du savoir qui caractérisent la société et la théorie universitaire, Sandeep Bakshi et Myriam Geiser ont suggéréque les études culturelles pouvaient questionner certaines inégalités et suggérer des options alternatives. Les deux présentations ont également mis en avant l’importance du langage et de la traduction dans l’accès au savoir et dans les transformations culturelles.
Les questions ont permis d’enrichir la discussion autour des théories auxquels les intervenants ont eu recours. Le commentaire de Mélanie Joseph-Vilain a par exemple permis aux intervenants de se positionner vis-à-vis des études diasporiques et de concepts qui y sont centraux, tels que la traduction culturelle. Finalement, la question d’Alex Frame a permis d’évoquer les problèmes d’essentialisation qui peuvent avoir un impact sur les études culturelles et décoloniales. Sandeep Bakshi a suggéré que les cadres théoriques sur lesquels il se basait offrait une perspective nuancée qui pouvait permettre par exemple de prendre en compte les inégalités intracommunautaires.
[1] En effet, il a suggéré que le mouvement était dominé par des groupes privilégiés qui avaient principalement recours à des langues impériales comme l’anglais.