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Espace-temps de la fiction

Compte-rendu du colloque des 21 et 22 novembre organisé en collaboration avec l’équipe Image et Critique

Rédigé par des étudiants de la Junior Agence du Master REVI: Emma Bert (M2), Clémence Bouchard (M2), Clément Roman (M1), Anthony Louro (M1) et Anaïs Larue (M1)

Le 21 novembre dernier s’ouvrait le colloque « Espace-temps de la fiction », organisé par Mélanie Joseph-Vilain et Shannon Wells-Lassagne, responsables respectives des équipes Individu et Nation et Image et Critique. Ce colloque s’est tenu sur deux journées, le jeudi 21 et le vendredi 22 novembre, et a accueilli des intervenants de la France métropolitaine jusqu’au Canada. Ce colloque consacré à l’espace-temps de la fiction aborde un sujet qui ne cesse de fasciner et d’interroger. Si le temps semble souvent nous échapper et l’espace nous encadrer, la fiction a cette capacité unique de les remodeler, de les étirer, de les briser, ou même de les abolir. Elle ouvre des portes vers des mondes où un instant peut contenir une éternité, et où les frontières de l’espace deviennent poreuses, propices à l’imaginaire.

Atelier 1 : La série et l’espace-temps

Le premier atelier de cette manifestation présidé par Audrey Haensler et intitulé « La série et l’espace-temps » s’est concentré sur l’exploration des notions de temps et d’espace dans des récits fictionnels et télévisuels. Les interventions s’inscrivant dans cet atelier ont toutes contribué à apporter un éclairage unique sur la série télévisée comme médium pour explorer les dimensions de l’espace et du temps, conjuguant narration sérielle et temporalité éclatée. Par sa structure en épisodes et en saisons, elle impose un rythme singulier à l’histoire, où le temps peut s’étirer sur plusieurs années ou se condenser en quelques secondes.

Elaine Després (Université du Québec à Montréal) a ouvert cet atelier avec sa présentation « Tulsa, 1921 et autres destinations voyages : S’orienter vers l’histoire du racisme américain ». À travers l’étude des séries Watchmen, Lovecraft Country et Kindred, la chercheuse a proposé d’illustrer la façon dont le racisme aux États-Unis, loin d’être un phénomène du passé, se déploie à travers les âges et les espaces. Ces récits montrent notamment que l’histoire du racisme est un héritage se transmettant à la fois dans le corps, la mémoire collective et dans l’infrastructure même de la société. À travers le voyage dans le temps et l’exploration de l’espace, ces séries offrent une vision d’un racisme systémique où le corps racisé est à la fois victime et témoin de cette violence qui se perpétue.

Florent Favard (Université de Nancy) s’est ensuite proposé de traiter l’espace-temps narratif de la franchise Star-Trek. Celle-ci, se caractérisant par une approche complexe et multiple, combine les principes du pointillisme, des volumes multi-connexes et de la poétique de l’impasse afin de créer un univers dynamique et en constante évolution. En traitant des relations entre les différents espaces et temporalités, et en confrontant les personnages à des paradoxes, la franchise parvient à offrir une réflexion sur les limites de la connaissance humaine et sur les possibilités infinies du cosmos. Florent Favard a insisté sur la notion de multiconnectivité des espaces avec, par exemple, la récurrence de certains décors qui se réinventent à chaque apparition avec de nouvelles significations pour devenir un outil narratif symbolique et familier. La durée de la franchise Star Trek sert comme moyen d’éviter la fin de celle-ci pour appuyer sur son imminence et ainsi expliquer que les soucis actuels du monde sont une “impasse qu’il faut passer”. La franchise s’étale sur plusieurs décennies et alimente donc les questions sociétales qui correspondent à la période de diffusion des différentes séries. Ainsi, Star-Trek apparaît non pas seulement comme un voyage à travers l’espace, mais comme une exploration narrative de l’inconnu, de l’impossible et de l’interconnexion des mondes.

Par la suite, Louis-Paul Willis (UQAT) a ouvert une discussion sur « Le lieu du “nostos” : réflexions sur la nostalgie et l’espace ». Cette notion, évoquant le désir de retour chez soi (souvent lié à un passé idéalisé) est au cœur de nombreuses réflexions culturelles contemporaines. Dans la culture de l’écran, le lieu du « nostos » devient donc un lieu de projection émotionnelle et idéologique, où les objets et les espaces passés sont réinvestis d’une nouvelle signification. La rétromanie et la projection nostalgique jouent un rôle crucial dans cette dynamique, en transformant les lieux du passé en refuges symboliques. Dans des films comme Back to the Future ou Interstellar, le passé devient par exemple un espace à la fois réel et idéalisé, une passerelle entre l’humain et l’universel, où le temps et l’espace se mêlent pour offrir à la fois un retour vers ce qui a été perdu et une exploration de ce qui pourrait être reconquis.

Marine Galiné (Université de Reims Champagne-Ardenne) poursuit cette réflexion sur le temps et l’espace à travers le cas particulier de la série de Mike Flanagan, The Haunting of Hill House. Dans cette série, d’abord profondément gothique par son réinvestissement des leitmotivs classiques gothiques (la demeure anthropomorphique, la toxicité de la moisissure et son caractère préternaturel, l’origine des puissances naturelles), la temporalité et l’espace s’entrelacent pour créer une expérience narrative profondément immersive et perturbante. Inspirée du roman de Shirley Jackson, la série joue avec une dislocation temporelle marquée par des allers-retours constants entre le passé et le présent, révélant progressivement les traumatismes des personnages et les secrets de la maison hantée : la maison devient alors un lieu palimpseste, superposant des strates de souvenirs. Ce découpage non-linéaire fracture la perception du temps, reflétant l’impact psychologique des événements sur les protagonistes. Les anachronismes servent à la fois de principe narratif saillant et de principe esthétique majeur dans la série. Le temps n’est plus une ligne droite, mais un réseau complexe où le passé et le présent coexistent et s’influencent mutuellement.

Pour conclure ce premier atelier, Manon Lefebvre (Université Polytechnique des Hauts-de-France) s’est proposée de traiter de la télévision d’enfermement et des enfermements scénaristiques à travers l’exemple de la série Quantico (2015). La présentation abordait la série par le prisme d’une comparaison avec la télé réalité, désignée comme télévision d’enfermement. Des thématiques récurrentes de ce type d’émissions sont réutilisées dans la série, notamment la promiscuité entre des gens aux physiques avantageux ou encore l’élimination de personnages épisode après épisode. Quantico rentre donc parfaitement dans ces codes, suivant le modèle d’enfermement scénaristique et d’espaces diégétiques influençant l’espace narratif.  La série utilise la notion d’enfermement, à la fois physique et narratif, comme moteur central de sa tension dramatique. Structurée autour de flashbacks et de complots multiples, elle enferme ses personnages dans des situations de crise constantes et répétitives. Cet enfermement se manifeste spatialement, dans des lieux restreints et hautement contrôlés comme les salles d’entraînement ou les bunkers. Manon Lefebvre établit une comparaison entre Quantico et la téléréalité dite d’enfermement: des scènes intimes, telles que le brossage de dents dans les dortoirs, renforcent le sentiment de confinement et contribuent à l’effet de voyeurisme auprès des téléspectateurs que l’on retrouve dans ce genre de télé-réalité. Narrativement, Quantico opère un double enfermement scénaristique. Le premier réside dans sa construction en énigmes imbriquées, avec une narration fragmentée et non-linéaire (flashbacks, flashforwards) emprisonnant le spectateur dans un labyrinthe temporel, où chaque nouvelle révélation remet en question les événements précédents. Le second enfermement concerne les personnages eux-mêmes : pris au piège de secrets, de trahisons et de manipulations, ils sont constamment mis à l’épreuve, incapables de se libérer de leur passé ou de leurs choix. Manon Lefebvre traite également de la réception de Quantico et de son échec commercial à travers une étude comparative avec une autre série télévisée diffusée sur la même chaîne, How to Get Away with Murder, qui a été un grand succès malgré une structure similaire à Quantico, puisque celle-ci a réussi à s’émanciper du modèle d’enfermement.

Ces différentes interventions ont montré l’importance de la manière dont les récits gèrent le temps et l’espace dans la réception des histoires par les lecteurs et téléspectateurs.

Atelier 2 : L’espace palimpseste

Cet atelier, présidé par Mélanie Joseph-Vilain, fut consacré à la notion d’espace palimpseste. Le terme, emprunté à la pratique médiévale de réécrire sur des parchemins déjà utilisés, évoque des espaces où les strates du passé se superposent et coexistent avec le présent. Il s’agit donc d’une manière de penser l’espace comme un texte vivant, fait de traces, d’effacements et de réécritures.

L’atelier s’est ouvert sur l’intervention de Jean-François Chassay : « Entrelacement des espaces dans Stella Maris et Le passager de Cormac McCarthy ». Dans ces deux romans, l’entrelacement des espaces reflète une tension constante entre le tangible et l’intangible, le réel et l’imaginaire. Ces deux œuvres, profondément imbriquées, explorent des lieux physiques, tels que les paysages du sud des États-Unis ou encore les hôpitaux psychiatriques, mais les transcendent en les mêlant à des espaces mentaux, émotionnels et philosophiques. Dans Stella Maris, l’espace de la clinique devient un lieu où les frontières entre le corps et l’esprit, entre la science et la métaphysique, s’effacent. Stella Maris introduit une parenthèse temporelle qui complexifie le roman précédent à travers le dialogue entre une jeune mathématicienne et son psychiatre. La protagoniste appartient à trois états superposés : entre la réalité historique, les mathématiques et ses expériences de vie, l’espace-temps se confond dans ses propos. Par exemple, sa culpabilité et son rapport à la mort sont exprimés à travers les mathématiques. Le Passager, lui, juxtapose les étendues naturelles avec des espaces de confinement intérieur, où les dialogues intérieurs et les souvenirs hantent le protagoniste. Ces espaces ne sont jamais fixes : ils se contaminent et se fragmentent, à l’image des thèmes de perte, de mémoire et de quête de sens. Dans ses récits, McCarthy superpose le physique, les mathématiques et le spirituel, les utilisant ainsi à la manière des palimpsestes.

Yves Davo (Université de Bordeaux) a ensuite abordé la question de la poétique de l’espace New-Yorkais à travers les temps passé, présent, futur dans Specimen Days de Michael Cunningham. Le roman interroge l’essence même de la ville comme lieu de transformation et de mémoire. Il décrit Manhattan sur plusieurs centaines d’années à travers trois histoires à partir d’un seul lieu. Les trois récits donnent un caractère historique à ce roman social qui se subdivise en trois genres: l’histoire de fantômes, le polar et la fable futuriste. Le travail de Cunningham se distingue par sa représentation du temps chaotique entre passé, présent et futur autour d’un lieu unique dystopique à fuir. Les récits sont enchâssés dans cette présentation d’une poétique de l’entropie américaine, alliant mémoire, écriture de la nature et récit de voyage. Le roman met en scène trois personnages archétypaux (une femme, un homme et un enfant) dont les identités et incarnations changent à chaque temporalité : cela permet à Cunningham de mieux représenter le chaos du temps, d’explorer les thèmes de la mémoire et de la perte, mais également d’interroger la diversité de l’expérience urbaine new-yorkaise. Dans le New York industriel du XIXe siècle, l’espace est imprégné de l’ardeur du progrès et des injustices sociales. Le New York contemporain, en revanche, est un paysage de perte et de résilience, marqué par le vide laissé par la violence historique et par la quête d’une humanité dans un monde fragmenté. Enfin, dans un futur dystopique, la ville devient un espace hybride, où la technologie et la nature s’entrelacent, et où la présence humaine vacille face à des bouleversements écologiques et identitaires. Ainsi, à travers ces trois temporalités, New York semble apparaître comme un palimpseste vivant, un espace qui se réinvente sans cesse tout en portant les traces des histoires collectives et individuelles, la ville devenant une métaphore du passage du temps.

Ces deux interventions mettent en avant la manière dont les récits contemporains entremêlent des dimensions spatiales et temporelles pour questionner la réalité. Ces œuvres révèlent la manière dont les lieux portent les traces du passé tout en se réinventant sans cesse.

La première journée s’est clôturée par la diffusion du film Dark City, réalisé par Alex Proyas.

Atelier 3 : Paysages de l’espace-temps

Le vendredi 22 novembre 2024 se poursuivait le colloque : Espace-temps de la fiction avec un troisième atelier portant sur les paysages de l’espace-temps et présidé par Arnaud Regnauld.

Dans un premier temps, Sylvie Bauer (Université de Rennes 2) a abordé la thématique des collisions spatio-temporelles dans 10.04 de Ben Lerner dans sa présentation : « A would be Withman of the vulnerable grid ». Ces collisions, qui renvoient à des moments où les dimensions de l’espace et du temps s’entrecroisent ou se chevauchent, sont centrales à la structure narrative et au propos du livre. Le récit est en effet construit comme un collage d’épisodes disjoints, entrelacés par les réflexions du narrateur (un écrivain fictif, fondé sur Lerner lui-même). De plus, les multiples références aux catastrophes naturelles (ouragans Irene et Sandy) soulignent une vision cyclique du temps.  Néanmoins, Lerner utilise également des lieux spécifiques qui deviennent des points de convergence pour différentes temporalités, participant à son exploration temporelle. La métatextualité du roman (le titre faisant écho à un moment suspendu dans le film Back to the Future) constitue un clin d’œil à la manipulation narrative du temps.

Hélène Machinal (Université de Rennes 2) a ensuite traité des espaces-temps dans l’œuvre Sea of Tranquility d’Emily St.John Mandel, en adoptant une posture relativement critique à l’égard de l’œuvre. Le récit s’articule autour d’un principe de palindrome, conçu comme un écho symétrique reliant différents moments et lieux et explorant la nature du temps et de ses interconnexions. Le roman navigue en effet entre plusieurs époques et lieux qui semblent au premier abord disparates mais sont liés par une anomalie commune : un phénomène sonore et visuel récurrent qui devient un point de jonction. La symétrie narrative du roman questionne également la linéarité du temps et explore un modèle où toutes les époques coexistent en résonance.

La communication d’Hortense Boulais-Ifrene, (Université de Paris 8), introduit la question des ruines à travers les mondes persistants. Les mondes virtuels, qui existent depuis les années 1980, reflètent le monde réel et évoluent en permanence, avec ou sans les joueurs. Hortense Boulais-Ifrene se concentrait dans sa communication sur ces mondes anciens et inhabités, laissés pour ruines. L’époque contemporaine semblerait ne pas laisser de ruines, et Hortense Boulais-Ifrene s’interroge sur un potentiel lien entre la disparition de ces ruines et celle de l’imaginaire. Effectivement, l’existence des mondes persistants semble révéler une nouveauté de notre époque : les ruines ne sont plus physiques, mais numériques, et à travers notre expérience de ces mondes inactifs, nous expérimentons les ruines. Hortense Boulais-Ifrene conclut sa communication en évoquant la question de la conservation de ces mondes persistants : faut-il les garder en mémoire ?

L’étude des paysages de l’espace-temps s’est poursuivie par la présentation d’Anne-Sophie Letessier (Université Jean Monnet-Saint Etienne) : « In the midst of a ruin » : remembering and archiving in Christine Lai’s Landscapes (2023) ». La présentation explorait les thèmes de l’art, de la mémoire et de la représentation, situant ces réflexions dans un contexte dystopique où la civilisation est en déclin. Le rôle de l’art est interrogé, en tant que moyen de préserver et de reconstruire non seulement les paysages physiques, mais aussi les paysages émotionnels et culturels. Dans le roman Landscapes, la mémoire du lieu joue un rôle central, tissant une réflexion sur la façon dont les espaces portent les traces du passé, à la fois visibles et invisibles. Situé dans une demeure en déclin, au sein d’un monde post-apocalyptique marqué par des pertes irréparables, le roman explore la façon dont les lieux deviennent des archives vivantes, où les souvenirs, les émotions et les récits s’inscrivent dans les murs, les objets et les paysages environnants. À travers le regard de sa protagoniste, archiviste et témoin du passage du temps, l’auteure montre que chaque lieu est un palimpseste, un espace où cohabitent les échos des vies passées et les transformations du présent. La maison elle-même devient un personnage, un sanctuaire de mémoire menacé par l’effacement, illustrant la fragilité des liens entre les êtres humains, leur histoire et leur environnement.

Conférence plénière: Bertrand Gervais, “L’idiotie architecturée: formes aliénées de pensée dans les Workplace Dystopias”

Pour conclure le troisième et avant-dernier atelier du colloque, Bertrand Gervais a évoqué, pendant une conférence plénière présidée par Hélène Machinal, le sujet des ‘Workplace Dystopias’, les dystopies de bureau, des lieux de travail qui, sous l’action capitaliste de l’entreprise, deviennent de vraies dystopies. Son étude s’est focalisée sur quatre œuvres de fiction, de différents genres, époques, formats. En effet, pour étudier le cas des dystopies de bureau, Bertrand Gervais s’est penché sur les cas de Severance (Dan Erickson, 2022), The Matrix (Lana & Lilly Wachowski, 1999), Playtime (Jacques Tati, 1967) et enfin Bartleby (Herman Melville, 1853). Ces quatre œuvres explorent toutes l’idée du lieu de travail comme un lieu oppressant et dystopique. Ainsi, la communication de Bertrand Gervais visait à relever les points communs, les distinctions, et les modes de fonctionnement de ces différentes dystopies de bureau, tout en les lisant à travers l’axe de l’idiotie architecturée, où tous les employés de ces différents bureaux sont rendus “idiots”.

La première partie de son analyse, consacrée à la forme subtile de l’idiotie que les œuvres explorent, examinait différents éléments de ces dystopies de bureau, tels que la place de la dystopie, la responsabilité de l’employé dans la création de cette dystopie, comme dans Bartleby par exemple, mais également le mode d’expérience de la dystopie de bureau, en contrastant l’expérience de l’intérieur et de l’extérieur (en comparant Playtime et les autres œuvres). Dans cette première partie d’analyse, Bertrand Gervais poursuit l’exploration de ces lieux à travers leur échelle : dans The Matrix, où les bureaux et le monde que l’on connaît cachent un univers en guerre où les humains servent de source d’énergie à des machines, la dystopie de bureau est placée à une échelle considérable, bien différente des dystopies de bureau des autres œuvres. Enfin, Bertrand Gervais conclut cette première partie en évoquant la question de la scission dystopique telle qu’elle est présente dans Severance, où les personnages ont deux consciences qui n’interagissent pas, l’une étant “l’outie”, l’autre étant “l’innie”. Dans ce monde dystopique où les deux consciences de l’individu ne peuvent interagir, les employés de Severance sont condamnés à rester dans leur dystopie-bureau, puisque même la mort (en témoigne la tentative – ratée – de suicide d’Ellie) ne peut les libérer.

Dans la seconde partie de sa conférence, Bertrand Gervais explore la question de la banalisation du mal dans un espace où les employés sont susceptibles de subir les pires manipulations. Il étudie d’abord la question de l’anonymat et évoque, pour qualifier les employés de ces dystopies de bureau,  la notion d’“armée d’anonymes”. L’anonymat est aussi lié à la question de l’idiotie, et dans cette armée d’aveugles, Bertrand Gervais voit des figures idiotes, car la mémoire et l’oubli aliènent les personnages. Il utilise l’exemple de The Matrix et de Severance pour explorer la dimension aliénante de l’anonymat et de l’oubli.

Ensuite, l’aspect aliénant du lieu de travail “idiotisant” a été explorée. Le labyrinthe du bureau, présent dans les quatre œuvres, favorise la perte des repères et permet de créer le parfait “idiot”: l’employé qui obéit aveuglement à son supérieur, et qui accepte son sort dans la dystopie. Les labyrinthes qui figurent dans les œuvres étudiées ont tous la même fonction : aliéner les personnages. Dans Severance et Playtime, le labyrinthe est un bureau presque sans fin, où les personnages s’égarent, à défaut de s’en échapper ou d’y entrer. Dans The Matrix, le labyrinthe prend la forme d’un mouvement constant et inarrêtable, que les personnages ne peuvent qu’emprunter comme un train en marche. Enfin, dans Bartleby, c’est l’immobilisation du personnage et son déplacement dans une prison qui l’aliène. Bertrand Gervais a ensuite développé l’idée des gestes désémiotisés, qui vient sublimer l’idiotie des employés. Les actions des personnages n’ont aucun sens, et ces derniers refusent de leur donner du sens (comme Bartleby qui répond “I would prefer not to”), ou en sont incapables (comme les raffineurs de Severance). Ainsi, leurs gestes n’ont aucun sens, et les employés du bureau des raffineurs n’ont aucune idée de l’utilité de leur travail.  Il explique que dans Severance, les personnages rangent des nombres dans des catégories qui correspondent aux quatre tempéraments, qui, d’après ce que les employés ont appris, ont été découverts par le chef d’entreprise. Cette gloire donnée au fondateur est de même que l’idiotie des personnages, nécessaire au système dystopique, qui semble refléter les systèmes autoritaires fascistes, puisque Bertrand Gervais va jusqu’à comparer l’entreprise de Severance au régime fasciste de Mussolini.

Bertrand Gervais conclut donc que la dystopie requiert l’idiotie de ses sujets: “l’idiot est incapable de vivre dans une communauté”. Il manque à l’idiot quelque chose qui le fait appartenir, et cela l’empêche de se constituer en groupe. Ces dystopies fonctionnent de différentes manières, et Bertrand Gervais classifie différentes dystopies à portée hégémonique en quatre sous-catégories: celles qui fonctionnent par morcellement du temps (favorisant la désorientation) ; celles qui procèdent à un morcellement de l’espace, rendant les déplacements difficiles ; celles qui opèrent par morcellement des sphères d’activité, “où la vie et le travail vont jusqu’à s’exclure mutuellement” ; et celles qui fonctionnent par morcellement du sensible, où les perceptions sont brouillées, et où le réel et le virtuel se confondent. Il évoque enfin l’économie de l’information, et explique que dans les dystopies, l’industrie de la surveillance et du contrôle sont primordiales pour le régime dystopique. Finalement, Bertrand Gervais explique que les dystopies de bureau ne sont pas sans issues, mais que la destruction de la dystopie doit nécessairement se faire par les “idiots”.

Atelier 4 : Espace-temps filmique et télévisuel

Le quatrième et dernier atelier du colloque, présidé par Shannon Wells-Lassagne, était consacré à la question de l’espace-temps filmique et télévisuel. Les interventions de cet atelier ont tenté d’explorer l’espace-temps et ses manipulations à l’écran, entre stagnation, dérèglement, et saturation.

La communication de Gaïd Girard (Université de Bretagne Occidentale) était consacrée au dérèglement de l’espace-temps dans Tenet (Christopher Nolan). Comme les autres films de Christopher Nolan, Tenet joue avec le temps. Mais contrairement à ses autres films, Tenet vient presque détruire sa propre chronologie. Gaïd Girard rappelle que le film a eu bien des interprétations, dont le choix de rester dans l’ignorance et la confusion face à la chronologie du film. La structure en palindrome de Tenet joue de cette confusion, lorsqu’on revoit des scènes d’un autre point de vue, la boucle temporelle du film vient donc se replier en son milieu. Elle explique sa propre interprétation du film, qui est celle de raviver l’intérêt pour les cinémas à la sortie de la pandémie, dans une œuvre qui vient s’ancrer dans les origines mêmes du cinéma, le spectacle. Les personnages du film suivent la tradition cinématographique la plus ancienne puisqu’ils sont unidimensionnels et sans profondeur psychologique. Ainsi, les personnages ne sont que des supports d’action. Les dialogues à peine audibles, la chronologie désordonnée du film et ses nombreuses références mystérieuses au carré Sator viennent rappeler aux spectateurs que le cinéma, plutôt que de suivre une narration claire, est un spectacle.

L’étude de l’espace-temps filmique et télévisuel s’est poursuivie par la présentation de Joséphine Grébaut (Université Paris Nanterre), « Le palimpseste de Los Angeles : Saturation spatio-temporelle dans les films contemporains sur l’Usine à Rêves », à travers l’étude du film Maps to the Stars de David Cronenberg. La saturation spatio-temporelle s’inscrit véritablement au cœur de la narration de ce film et s’exprime à travers des motifs récurrents comme l’impasse, les fantômes et un espace-temps autophage. Ces éléments soulignent la déliquescence des personnages et du monde hollywoodien dans lequel ils évoluent, créant une vision oppressante d’un espace saturé par le poids du passé, de la célébrité et des illusions brisées. Cette saturation, à la fois spatiale et temporelle, annihile tout espoir de rédemption ou de renouveau, laissant les personnages sombrer dans un vide inéluctable. La représentation de l’impossibilité à se renouveler dévore l’œuvre elle-même qui n’arrive pas à se libérer de ces impasses et de cette saturation : c’est en raison de cette obsession du creux et d’un écrasement inéluctable que le film n’a pas réussi à trouver son public et a rencontré un succès relativement limité.

La communication de Marjolaine Boutet, professeure à l’Université de Paris Nord, était consacrée à la notion de temps arrêté, de l’espace immuable, et de strates mémorielles dans la sitcom Hogan’s Heroes. Cette communication, qui venait conclure le colloque, explore dans un premier temps l’espace immuable de la sitcom. La comédie d’enfermement Hogan’s Heroes était “un projet de sitcom carcéral”, qui suit les aventures de prisonniers de guerre, qui, plutôt que de s’évader, restent dans le stalag pour faire s’échapper les autres prisonniers. En cela, l’espace de la sitcom est immuable : le camp, quand il est détruit, est toujours reconstruit à l’identique dans l’épisode qui suit, et la neige partiellement fondue est toujours présente. La structure narrative est également assez close et répétitive : il se passe à la fois tout et rien. Ainsi, dans la sitcom, le temps est arrêté : le pilote indique l’année 1942, mais au cours de la série, plusieurs événements sont mentionnés (notamment le complot contre Hitler de juillet 1944) de manière anachronique. Il n’y a aucun respect des événements historiques, et la guerre ne se termine jamais, malgré le fait que chaque épisode présente son scénario comme déterminant pour la victoire des Alliés. Enfin, Marjolaine Boutet conclut sa communication en explorant l’aspect cathartique de la série. La Shoah est “un fantôme qui hante Hogan’s Heroes sans jamais se montrer.” La série inclut des acteurs pour la plupart immigrés, juifs, qui ont fui le régime nazi. Ainsi, Marjolaine Boutet explique que d’une certaine manière, Hogan’s Heroes, en se moquant des Nazis et en les tournant au ridicule, rend le souvenir de la Seconde Guerre mondiale plus facile à supporter.

Le colloque Espace-temps de la fiction a permis d’explorer la manière dont la fiction manipule et transforme l’espace et le temps, tant dans la littérature que dans le cinéma et la télévision.

Le premier atelier a permis d’étudier comment les séries télévisées manipulent l’espace et le temps pour enrichir leurs récits. Les interventions ont mis en lumière la capacité des séries à jouer avec la temporalité, qu’il s’agisse de voyages dans le temps ou de réflexions sur la mémoire et la nostalgie. De Watchmen à Quantico en passant par Star Trek ou The Haunting of Hill House, chaque intervention a révélé comment les récits fictionnels et télévisuels exploitent les contraintes spatiales et temporelles pour nourrir les intrigues.

Le deuxième atelier, consacré à la notion d’espace palimpseste, a exploré la manière dont les récits contemporains superposent et réécrivent les espaces. Les œuvres de Cormac McCarthy et de Michael Cunningham transforment de simples lieux géographiques en de véritables lieux de mémoire et de réinvention. L’espace, loin d’être un cadre figé, devient dynamique et chargé de significations. Ces œuvres, qu’elles soient littéraires ou cinématographiques, montrent comment les espaces ne cessent de se reconfigurer, portant en eux les traces du passé tout en projetant l’avenir.

Le troisième atelier a introduit les paysages spatio-temporels à travers diverses œuvres, mettant en lumière les collisions temporelles, les mondes persistants et les ruines physiques et numériques. Les interventions ont montré comment ces récits manipulent l’espace et le temps pour interroger la mémoire et le passé. De plus, lors de sa conférence plénière de sur les Workplace Dystopias, Bertrand Gervais s’est servi d’œuvres telles que Severance et The Matrix pour mettre en évidence l’aliénation des personnages dans des lieux de travail oppressifs.

Le quatrième et dernier atelier du colloque a examiné les manipulations de l’espace-temps dans le cinéma et la télévision. Les différentes interventions ont mis en lumière des œuvres qui déconstruisent la temporalité et créent des atmosphères saturées, déréglées ou figées. Des œuvres comme Tenet ou Maps to the Stars utilisent ces concepts pour perturber la perception du spectateur. En contraste, la sitcom Hogan’s Heroes a illustré un espace-temps figé, où la répétition et la satire permettent de traiter des sujets lourds avec légèreté.


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Mélanie Joseph-Vilain (13 janvier 2025). Espace-temps de la fiction. Individu et Nation. Consulté le 14 juin 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/132hf


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